Interviste

Naga

Written by • 11 Luglio 2014• Interviste

Direttamente da Napoli arrivano sulle pagine di Rockambula i Naga, una band Doom con venature Post Core. Il possente trio fresco del disco d’esordio intitolato Hen è riuscito in poco tempo ad attirare l’ attenzione di molti. Con immenso piacere abbiamo l’occasione di scambiare due chiacchiere con Emanuele il bassista del gruppo e di seguito siamo riusciti a strappargli qualche interessante informazione.

Ciao Emanuele e benvenuto su Rockambula. Direi di cominciare dall’ inizio che paradossalmente è un po’ la fine, quella dei Kill the Easter Rabbit e la nascita dei Naga. Cosa è successo?
Ciao e grazie mille. In realtà non è “successo” granché, i KTER avevano esaurito fisiologicamente il loro ciclo. Io e Lorenzo siamo fondamentalmente cambiati, sia come persone, sia come ascolti. I KTER hanno rappresentato 10 anni importanti per noi. I Naga hanno segnato il punto di rottura con il passato, ci hanno permesso di lavorare con Dario alla batteria e di sperimentare modi nuovi di comporre e suonare, di cambiare attitudine, tematiche, strumentazioni e di conoscere persone nuove.

Hēn è il vostro disco d’esordio ed oltre al sottoscritto è piaciuto veramente a tanti altri. Cosa vi ha ispirato a comporlo, che messaggio nasconde il disco?
In primo luogo siamo contenti che stia piacendo. Il disco, come composizione, è ispirato a tutto ciò che abbiamo metabolizzato negli ultimi anni, i concerti che ci siamo visti, le band piccole o grosse che abbiamo conosciuto in giro per l’Italia o all’estero, la volontà più o meno conscia di provare sonorità più acide e allo stesso tempo più pesanti, di ricercare atmosfere che hanno caratterizzato grandi band che vanno dai Darkthrone fino ad arrivare ai Neurosis e di riarrangiarle e stravolgerle secondo le nostre sensazioni. I testi sono di Lorenzo e più che un messaggio, palesano delle suggestioni; se qualcuno ha la curiosità di leggerli, si trovano sul nostro Bandcamp.

Come siete entrati in contatto con la Fallo Dischi e la Shove Records e soprattutto che tipo di lavoro stanno svolgendo per promuovere Hēn?
Beh oltre alla Fallo Dischi e alla Shove, il CD è stato stampato anche da La Fine. Mentre il vinile è uscito per l’olandese Lay Bare Recordings e distribuito dalla Burning World Records. Sin dal primo momento essendo amici di Mario, Michele e Alessio della Fallo Dischi, ci sembrava interessante lavorare per l’uscita del disco insieme a loro. La loro disponibilità ha fatto sì che riuscissimo a muoverci dentro e fuori Napoli, sono delle persone organizzate, che hanno contatti e sanno gestire determinate situazioni. La Fine e Shove Records sono entrati in maniera conseguenziale, visto che sono a loro volta etichette che hanno avuto a che fare con la Fallo Dischi per altre produzioni. Il discorso vinile invece è nato più o meno parallelamente alla Fallo Dischi. Mentre prendevamo contatti per far stampare il disco, cercammo qualche etichetta fuori dall’Italia, dopo qualche settimana ci rispose la Lay Bare Recordings proponendoci l’esclusiva per la stampa del vinile, e così è andata. Per quanto riguarda la promozione del CD è tutto D.I.Y. e ne andiamo fierissimi, anche perché funziona alla grande. Il vinile è su canali più “convenzionali”, ha una distribuzione più grossa e sta andando altrettanto bene.

Cosa puoi dirci delle vendite del disco, sta ottenendo buoni riscontri?
Sì, come ti ho detto precedentemente, non ci lamentiamo, siamo soddisfatti, c’è un buon lavoro di squadra tra noi, le etichette e la distribuzione.

Altra piccola curiosità: a cosa aspirano i Naga?
A molte cose, ma con la dovuta calma. Mano a mano, parte di queste, si stanno realizzando, sarebbe poco interessante fare un elenco. E’ una complessità di elementi che ci interessa, e da un certo punto di vista siamo contenti, le cose prendono forma.

Quali sono le band con cui un giorno vorreste dividere il palco?
Al Tube Cult Fest di Pescara, abbiamo incontrato varie band di cui abbiamo stima. Gli Zippo ad esempio, sono una band che conosciamo da una vita, già dai tempi dei KTER, ed è sempre un piacere vederli live e passarci un paio di giorni assieme. Allo stesso festival con i Samsara Blues Experiment pure ci siamo divertiti. Il 12 Agosto, suoneremo al Watchtower Festival a Pisa, dividere il palco con Napalm Death, Church of Misery, The Secret e gli Shores of Null, che per altro conosciamo da anni, almeno Davide e Gabbo, sarà sicuramente divertente. Per il resto vedremo, ci sarebbero decide e decine di gruppi con cui ci piacerebbe suonare.

Nei prossimi giorni dove suonerete? Dove potremmo ascoltarvi?
Sabato 12 Luglio siamo a Prato con i Sulfur, il 12 Agosto al Watchtower Festival a Pisa, a fine Agosto saremo nel nord Italia ad un bel festival, la cosa verrà annunciata a breve. A settembre faremo altre date, sicuramente saremo ad Ancona e a Roma. Sulla nostra pagina di Facebook aggiorniamo le date con gli eventi, quindi chi fosse interessato può trovarle lì.

Un’ultima domanda. Il 24 Maggio venni a sentirvi insieme a tante altre grintose band come Germanotta Youth, Storm O e La Via Degli Astronauti al Centro Sociale Lido Pola. Rimasi sbalordito dal pubblico presente, in tanti presenziavano. Personalmente sono stato a diverse date in Campania per diversi gruppi, ma quell’evento vantava di un bel numero di persone, neanche gli Hell in the Club a Napoli fecero cosi tante persone. Secondo te si tratta di una buona organizzazione dell’ evento o c’è altro?
Gli eventi a Napoli organizzati dalla Fallo Dischi hanno sempre un ottimo seguito, come in quella circostanza, riescono a mobilitare e motivare un bel numero di persone, concentrano attenzione e organizzano come si deve. Sono forse l’unica realtà, a Napoli, (insieme a pochissime eccezioni) che riesce a far funzionare concerti ed eventi di un certo tipo.

Bene Emanuele, l’ intervista si chiudi qui, concludi come vuoi…
Ti ringrazio per l’intervista e per la precedente recensione, e segnalo a tutti le nostre pagine di Facebook e Bandcamp. http://nagadoom.bandcamp.com – http://www.facebook.com/nagadoom
A presto.

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Death SS

Written by • 1 Luglio 2014• Interviste

E’ un grande piacere intervistare Freddy Delirio, noto ed esperto tastierista dei Death SS e cantante degli H.A.R.E.M.. Tra una curiosità e l’ altra siamo riusciti a parlare del loro nuovo disco e a sottrarre qualche piacevole retroscena accaduto ultimamente ai ragazzi oltre che parlare un po’ di Freddy e del suo percorso artistico. Insomma ne è uscita una stupenda chiacchierata piena di chicche. Non resta che godersela.

Ciao Freddy e benvenuto sulle pagine di Rockambula. Direi di cominciare l’intervista parlando un po’ di te: da quanto tempo sei nei Death SS e come è nata la collaborazione?
Ciao Vincenzo, la prima volta che ho collaborato con i Death SS risale al 1994. Feci un concerto di successo con la mia prima band, i Mania-C, presso il conosciuto locale Rock Planet di Milano, che in quegli anni era un importante punto di riferimento. Fui notato dal mitico Andy Barrington che mi chiamò subito dopo lo show proponendomi un provino con i Death SS. Ero un grandissimo fan del gruppo quindi la cosa mi lusingò non poco. Alla prima prova, mi trovai subito bene con la formazione e il sound della band e Steve, che aveva già letto proprio in quel periodo positive recensioni sull’uscita del mio lavoro solista Journey, ufficializzò il mio ingresso in formazione. Da quel momento nacque così all’interno della storica band, la figura del fantasma dell’opera accanto alle preesistenti vampiro, mummia, uomo lupo, zombie e morte. Ho fatto diversi concerti e registrato alcuni dischi a Pesaro dal grande Chain. Successivamente mi allontanai dalla band a causa di impegni personali che riguardavano lo studio universitario e altri progetti musicali. Ero ancora molto giovane e volevo formarmi individualmente come persona quindi dovetti fare delle scelte in virtù del tempo a disposizione ma proprio in seguito il destino volle che Steve, qualche anno dopo, mi richiamasse per una nuova e fruttuosa collaborazione che va avanti dal 2005 ad oggi e che non ha riguardato solo la fortunata serie di dischi e singoli nuovi dei Death SS ma anche collaborazioni per il cinema, colonne sonore horror (per Manetti Bros, Extreme Video, SNCI produzioni) e altri progetti musicali come il caso dei W.O.G.U.E.!

So che da ragazzino eri influenzato da Giuseppe Verdi, se non sbaglio è stata la tua prima fiamma, lo consideravi un po’ un Rocker del suo tempo. Dopo lui hai avuto altre aspirazioni?
Verissimo, ti ringrazio per questa domanda così dettagliata e attenta! Verdi mi aprì la mente musicale, è stato il mio “maieuta” virtuale. E’ incredibile come la sua musica, pur interpretata a distanza di tempo da orchestre e altri musicisti e anche grazie ai documenti e alle testimonianze che hanno parlato di questo grande personaggio e compositore, siano arrivati freschi e diretti alla mia mente, spronandomi e facendomi capire che avevo una vena musicale dentro di me. Lui fu un tipo contro corrente come lo fu Mozart e per questo mi sono permesso di definirli geni assoluti e metaforicamente dei “rocker” fuori dagli schemi ma assolutamente autentici e assoluti. Dopo aver scoperto e suonato la classica attraverso lo studio del pianoforte, in seguito mi sono dedicato al rock. Ho scoperto un mondo estremamente ricco e composto anche in questo caso da geni, istrioni, personaggi che sono stati capaci di cambiare in modo positivo lo stile di vita di molte persone. Pensa a quale potere può avere una canzone mentre stai vivendo. Può essere la colonna sonora di certe sensazioni ma può essere capace di crearne di nuove direttamente essa stessa. Rick Wakeman e Jean Michel Jarre sono i tastieristi che mi hanno fatto “volare” facendomi scoprire la musica sperimentale, cosmica e progressiva. I Pink Floyd, dei indiscussi della musica a 360 gradi. Nel Rock i miei grandi idoli Blackie Lawless, Davide Coverdale, Alice Cooper e molti altri, che con i loro dischi, mi hanno letteralmente fatto vibrare mostrandomi sonorità e dimensioni musicali nuove. Sono molte le band e gli artisti che mi hanno ispirato e non finirò mai di stupirmi ogni volta che sento un sound innovativo puro e senza compromessi.

Come ti sei avvicinato all’Hard Rock e l’Heavy Metal?
Per puro caso, o forse non lo era. Un mio amico mi lasciò una cassetta per sbaglio nel mio walkman, erano gli anni 80, e fui rapito, dopo alcuni ascolti, da questo mondo assolutamente ricco di melodia, potenza, energia, virtuosismi e atmosfere sospese. Nel giro di pochi giorni ho subìto un cambiamento interiore entrando in una dimensione nuova, che non ha mai smesso di rinnovarsi, a sua volta, nel tempo. Potere del Rock! Da lì ho dato il via a molti miei progetti. Cinque anni con i Mania-C, quasi dodici con i Death SS, venti con gli H.A.R.E.M. più altri progetti/studio che si sono alternati in questi venticinque anni di attività. Quest’anno festeggio un quarto di secolo dalla mia prima esibizione Rock!

Venendo a Resurrection, un disco maturo e variegato: che tipo di lavoro hai svolto con le tastiere?
Mi sono occupato personalmente della la fase di produzione artistica insieme a Steve presso il mio studio (FP Recording Studio) e poi ho curato tutta la fase di registrazione e mixaggio. E’ un disco che ho vissuto e sentito davvero. Con le tastiere ho lavorato in modo tradizionale per certi versi ma anche stringendo l’occhio alla modernità, un disco deve sempre essere innovativo e mai ripetere il precedente. Sono presenti suoni classici miscelati ad altri di synth più futuristici cercando al massimo si ottenere atmosfere tenebrose ed incisive. I brani sono pieni di sospensioni ed evoluzioni e devo dire di essermi davvero sbizzarrito in qualità di musicista.

Per quanto riguarda i riscontri, Resurrection ha incassato di più in Italia o all’ Estero? E secondo te perchè?
Da quel che mi risulta, il disco sta funzionando bene sia in Italia che all’estero. I vari singoli usciti a supporto, raggiungendo in Italia due volte il primo posto in classifica ne hanno dimostrato il buon esito nel nostro paese. L’altro riscontro concreto viene dal recente festival in cui abbiamo suonato. Allo Sweden Rock Festival, i fans avevano il nuovo disco e hanno cantato tutti i brani nuovi e vecchi. Si resta piacevolmente stupiti quando, all’inizio di un brano di quelli nuovi ad esempio, senti il boato del pubblico che aspettava proprio quella canzone. Questo ripaga del lunghissimo lavoro svolto in studio negli anni a curare i minimi dettagli in fase compositiva e di produzione.

In quali altri progetti sei impegnato oltre ai Death SS?
In questi ultimi anni è uscito il mio disco solista tutto strumentale Journey (Black Widow Records-Masterpiece Distribution) edizione remasterizzata dell’originale dei primi anni novanta in occasione del ventennale e arricchito con l’aggiunta di altri brani. Per quanto riguarda gli H.A.R.E.M., in questo caso in ruolo di cantante, sono giunto ai venti anni di attività e sto lavorando duramente al mix finale del nuovo disco di cui siamo assolutamente entusiasti! Sarà un album pieno di grandi novità e ricchissimo di contenuti. Tra gli ospiti cito il grandissimo Reb Beach (Whitesnake, Alice Cooper, Winger, Bob Dylan), che è venuto presso il mio studio a registrare “Angel”, brano che ho dedicato a mio figlio Christian, presente all’interno del nuovo disco. Anche Steve Sylvester è presente in veste di ospite dove duettiamo un classico del rock in una veste tutta moderna. Ma non voglio anticipare troppo. Sono i venti anni e ci saranno varie chicche.

In questi giorni su Facebook ho visto un tuo post riguardo una questione sulla censura di alcune foto di Steve Sylvester. Vuoi dirci cosa è successo? Ed è un problema che avete risolto?
Siamo alle solite. Ormai un classico che ha accompagnato negli anni la storia di questa band. Spesso gruppi di fanatismo pseudoreligioso ci hanno accusato di cose non vere. Siamo stati vittime di cose incredibili. Alcuni sostenitori di una setta pseudoreligiosa su internet hanno inneggiato persino al consumo della bistecca accusando coloro che non mangiano carne (alcuni di noi sono per scelta personale e etica vegani, come nel mio caso, o vegetariani), di essere satanisti perché curiamo il culto della persona rifiutando di uccidere gli animali per nutrirci, come invece secondo loro, dovrebbe essere in maniera assoluta. Dopo essermi laureato in filosofia per cercare di scoprire e di capire molti “perché” delle cose e degli individui, e dopo essermi sempre posto verso la razza animale (quindi anche umana) in modo positivo, rispettoso e disponibile a qualsiasi forma di comunicazione, sentir parlare certi zoticoni dietro alla tastiera di un computer tramite pagine fittizie fanatiche dedicate alla diffamazione dove di sano cristianesimo delle origini non c’è rimasto purtroppo niente, a discapito di un cattolicesimo distorto e strumentalizzato costituito da bigotti che conosco solo odio e frustrazione, nel 2014, mi fa piuttosto tristezza. A Steve sono state censurate di recente alcune foto che non ritraevano nudo o volgarità e che quindi non erano, in alcun modo, offensive. Ma si sa, è più facile dar voce ai diffamatori mantenendone la privacy anziché fare gli interessi di chi è nel giusto. Oggi molti valori sono distorti e sovente su “pseudoenciclopedie” presenti in rete gestite da nerd dallo pseudonimo spesso ridicolo (e che nasconde la reale identità) o gruppi di sfigati che si identificano dietro al branco di qualche paginetta messa su tanto per non aver nulla da fare nella vita, si nasconde l’origine del vero male che si tramuta in: falsa testimonianza, invidia, pochezza dell’essere, passo verso l’involuzione. Siamo finiti per fortuna anche in un giornale di gossip dove Steve, qualche mese fa, ha fatto luce su quanto la nostra musica non sia legata al culto del male ma che anzi l’horror, l’ironia, la passione per ciò che è invisibile a molti sia motivo di arricchimento culturale in totale rispetto della Natura che ci circonda.

A parer tuo c’è un disco (di un gruppo italiano o internazionale che sia) uscito in questi ultimi anni che ha un particolare sound dovuto alle tastiere? Mi spiego meglio: tu da noto ed esperto tastierista sei stato colpito da qualche album che comprende un particolare suono o lavoro delle tastiere?
Dopo aver parlato dei miei miti del passato ti dico che in questi anni ho visto, in alcuni casi, il fiorire di nuove sonorità. E qui non sto a soffermarmi su gruppi che hanno ottimi tastieristi supersonici ma su quelli realmente innovativi e capaci di suscitare emozioni vere in base alla propria personalità. Andando dai grandiosi Dream Theater nelle loro varie formazioni e opere, mi piacciono i sound di alcune band europee come il caso dei Nightwish sino ad arrivare ad un uso più diretto e senza troppi fronzoli, libero da virtuosismi ma proprio per questo originalissimo e incisivo da top classifica, di band come i Rammstein. Ormai di musica se ne è scritta tanta, è difficile sentire gruppi che con molte o poche note ma suonando solo quelle giuste, siano capaci di entrarti dentro creando atmosfere assolute e portandoti nel loro mondo. Quando sento che questo accade, allora si sviluppa quella magia capace di rendere una canzone e il sound di una band, assoluti.

Per quanto riguarda il tour cosa ci dici, dove suoneranno i Death SS nei prossimi giorni e la meta Napoli è prevista?
Riguardo ai prossimi show abbiamo due date in Germania a Luglio Hell’s Pleasure Fest e Headbanger Oper Air. Per i prossimi aggiornamenti vi invito sempre a visitare il nostro sito ufficiale. Speriamo che ci sia occasione di suonare nuovamente anche nella vostra zona, ho un ottimo ricordo di un concerto che facemmo nel 2007!

Bene Freddy, l’ intervista si chiude qui, concludi come meglio ti pare…
Che dire Vincenzo, intanto ti ringrazio di cuore per il tipo di domande che ho molto apprezzato e per la tua disponibilità. Auguro buon Rock e buona vita a chi crede nelle proprie capacità affinché si possano realizzare i veri sogni per un mondo più positivo ed evoluto. Quest’anno festeggio l’importante traguardo dei 25 anni di attività con le band ma ho sempre il solito desiderio di quando da “ragazzino” ho vestito per la prima volta i panni di rocker su un palco! Sono pronto a fare altrettanti anni di concerti e dischi!
Un caro saluto alla redazione di Rockambula!

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Kaleidoscopic

Written by • 24 Giugno 2014• Interviste

Ciao ragazzi, cominciamo dall’inizio. Chi sono i Kaleidoscopic, e cosa hanno a che vedere con quell’apparecchio ottico capace di generare svariate forme geometriche grazie ad un sapiente gioco di riflessioni?
Kaleidoscopic sono un gruppo rock di Arezzo composto da Fabio Meucci, Marco Ciardo, Francesco Magrini e Francesco Mazzi. Il nostro nome, che ha poco a che fare con il concetto di psichedelia tanto di moda in questo momento, è nato dal nostro bisogno di poter suonare musica senza dover necessariamente rispettare alcun “genere” o “filone”. Di fatto Onironauta, il nostro disco, è il prodotto delle molteplici influenze e sfaccettature che ci caratterizzano. Crediamo che sia vario e non facilmente etichettabile, vogliamo pensare che nel far musica ognuno debba essere libero come lo siamo stati noi nel creare Onironauta. Kaleidoscopic, in questo senso, era il nome più adatto perché crediamo i nostri pezzi abbiano forme, colori e sfaccettature diverse uno dall’altro.


Il vostro album d’esordio ha il suggestivo titolo Onironauta, traducibile con “sognatore consapevole”. C’è anche un significato nascosto dietro al titolo che avete scelto? Quale?
Per dare un indizio direi che c’è un percorso d’ascolto che tocca temi di vita comune, che vengono raccontati dall’aspetto superficiale fino ad uno stato di introspezione più profondo. L’Onironauta è il protagonista che compie un viaggio per ogni singolo aspetto, riuscendo a coglierne il vero significato e a vivere l’insieme delle sfaccettature della vita come esperienza anche interiore. Il percorso lo si può intuire facilmente ma è un segreto (ride ndr)


Il vostro album è un cocktail di sonorità oscure e rumorose, a tratti epiche, senza dimenticare ritmo e melodia. Quanto è stato influenzato il sound da Nicola Manzan (Bologna Violenta), che ha lavorato al disco come produttore artistico e arrangiatore? Come sarebbe stato Onironauta senza Bologna Violenta?
Nicola Manzan è un musicista professionista che abbiamo conosciuto suonandoci insieme. Da lì è nato un profondo sentimento di rispetto, ammirazione ed amicizia che ci ha condotto ad incrociare le nostre strade lavorando insieme. Nicola ha notevoli capacità in fase di arrangiamento e un gusto musicale che ci ha entusiasmato: insieme a lui siamo riusciti a mantenere un “tiro” costante in tutti i pezzi e a lavorare in funzione del risultato finale. Di fatto abbiamo imparato a guardare una canzone nella sua omogeneità, musica e testo, che devono uscire come una cosa sola. Abbiamo messo da parte virtuosismi lavorando esclusivamente sull’atmosfera e il messaggio che ogni singolo brano avrebbe dovuto trasmettere e il risultato ci ha entusiasmato: crediamo che Onironauta sia un buon disco e quantomeno era quello che volevamo, come lo volevamo. Nicola non ha stravolto nulla ma ci ha aiutato a indirizzare il disco nella giusta direzione. Del resto abbiamo imparato più in un mese di lavoro con lui che in molti anni a suonare in un garage. Un esperienza che ci ha lasciato tantissimo, dal punto di vista artistico e soprattutto umano. Onironauta senza Nicola? Sarebbe uscito ugualmente, molto simile ma sicuramente.


Per l’esordio avete scelto (su indicazione di Manzan) di passare alla lingua italiana. Qual è stato il vero motivo di questa scelta? Quanto questa è da ritenersi una necessità per essere apprezzati dal pubblico della penisola visto che in pochi sono riusciti a crearsi un buon seguito puntando su altri idiomi o sullo strumentale?
La scelta di cantare in italiano è stata una nostra esigenza appoggiata, in primis, dallo stesso Nicola. Arrivati al punto dove eravamo sarebbe stato impossibile trasmettere certi concetti, messaggi senza l’utilizzo della nostra lingua. Vogliamo che la gente possa ascoltare e magari riflettere anche solo un secondo su quello che vogliamo dire, cosa che sarebbe stata impossibile cantando in inglese. Siamo un gruppo che fa rock ma che vuol suonare per trasmettere un qualcosa, non cerchiamo e non abbiamo mai cercato di far canzoni con l’intento di mettere allegria attraverso versi senza contenuto, canticchiabili e magari rendendoli “danzerecci” con una buona base musicale. Quello lo lasciamo ad altri. L’ intento dei Kaleidoscopic è tutt’altro e pensiamo che ascoltando Onironauta, il nostro impegno in questa direzione, sia chiaro.


Quanto è importante il testo e la sua comprensione all’interno dei vostri brani e quanto è rilevante nella musica contemporanea?
Il testo ha un’importanza fondamentale perché è tramite questo che possiamo comunicare chiari concetti ma è solo grazie agli altri strumenti che queste parole possono impattare sul lato più profondo dell’animo umano creando la musica appunto. Si può comunicare anche solo con le note ma le parole durante un concerto possono essere un grande aiuto per entrare in contatto con il pubblico. Oggi come sempre nella musica le parole sono usate con una importanza molto variabile. Più che altro c’è da dispiacersi di come proprio nei generi più ascoltati e con audience colossali non si usino le parole per parlare di cose più profonde ribelli o nuove. Solite situazioni, falsi problemi e ultimamente sempre più spesso false soluzioni. E pensare che con la musica si potrebbe cambiare il mondo…


C’è qualche aneddoto o curiosità riguardante Onironauta che vi va di raccontare?
Durante la composizione di Onironauta ne sono successe tante di cose. Le migliori la sera: finite le sessioni di registrazione Nicola Manzan ci allietava, fino a notte fonda, con canzoni di cantanti neomelodici (di cui è un grande fan). A forza di ascoltare ci siamo appassionati anche noi e, tutt’ora, ci informiamo e ci scambiamo  brani, cercando di rimanere sempre aggiornati sui nuovi tormentoni. Vi diciamo solo che Fabrizio Ferri è davvero il nostro nuovo idolo.


Racchiudere le note dentro generi e definizioni è feticismo da giornalisti più che strumento utile alla comprensione dei brani. Come descrivereste la vostra musica senza usare paletti come Noise, Alt Rock, Stoner o simili?
Come già dicevamo la nostra musica è essenzialmente rock, un rock caratterizzato da suoni duri e distorti. Ci piace aver sempre ben presente una certa energia, soprattutto live, da poter convogliare verso il pubblico. Gli alti volumi e dosi massicce di sudore sono due cose che ci caratterizzano. La nostra musica non fa parte di niente e non è di nessuno, è libera come lo siamo noi, ognuno può ascoltarla e trovarci dentro quello che più gli piace o non piace.


Il Tour promozionale di Onironauta ha ormai toccato diverse tappe. C’è un’esibizione live che ricordate particolarmente? C’è un elemento al quale date maggiore importanza nelle vostre esibizioni live?
Sicuramente per essere una band emergente con poco seguito, al momento, come è logico che sia abbiamo fatto diverse date che, ognuna per motivi diversi, ci ha davvero caricato. Quindi una data che ricordiamo in particolare non c’è, ci teniamo solo a ringraziare tutte le persone che ci hanno permesso di poterci esprimere e tutte quelle che lo faranno in futuro, perché i Kaleidoscopic come mille altri gruppi validissimi hanno bisogno di poter suonare live davanti a delle persone. Fare dischi è stupendo ma la band vera e propria si riesce ad apprezzare solo quando è sopra al palco, secondo noi. Per quanto riguarda le performance cerchiamo sempre di dare il 150%, cercando di far arrivare al pubblico il messaggio che vogliamo dare, come detto precedentemente. Per noi non fa differenza suonare davanti a 10,100,1000 persone, è di vitale importanza che la gente sia attirata da quello che diciamo e che riesca a rimanere attenta durante la nostra esibizione. È la cosa che più ci rende contenti.


C’è un brano del vostro disco che ho trovato di una bellezza disperata e straziante. Da dove arriva “Sensitivo”?
Sensitivo è un pezzo che sento molto vicino. Parla di come un uomo quando si ferma ad osservare la realtà della vita finisca per accorgersi della sua assurdità e di impulso ne reclami una ragione. E’ da questa disperazione che può e deve nascere la voglia di esplorare il lato più profondo della nostra coscienza per dare il giusto senso a tutto e tornare a vivere da soddisfatti padroni del proprio destino. Ma nulla può essere appreso se non tramite i sensi . Usarli è il miglior modo per cogliere e capire l’assurdità del sistema in cui viviamo e di conseguenza le menzogne che ci circondano.


Siamo alla fine dell’intervista, vi ringrazio, e per concludere vi chiedo di parlarci dei vostri progetti futuri.
I nostri progetti futuri sono poter riuscire a suonare Onironauta il più possibile in giro perchè, come dicevamo, la dimensione live è troppo importante per una band emergente. In seguito vedremo cosa ci riserverà il futuro.

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Miniman On Micro

Written by • 20 Giugno 2014• Interviste

Oggi facciamo due chiacchiere con Miniman On Micro, al secolo Alessandro Minissi, già rapper con i Rigor Monkeez e con un futuro nel giornalismo, che ci racconterà qualcosa di lui e del suo progetto REPORTI (“musica rap sulla publica res”).

Ciao Alessandro. Innanzitutto vuoi parlarci di te, del tuo rapporto con la musica e con il giornalismo?

Un saluto a Rockambula e ai suoi lettori! Io ho ventiquattro anni, faccio il Rap da quando ne avevo quindici e sono studente da quando ne avevo sei. Rappo nei Rigor Monkeez e intanto cerco di diventare giornalista professionista, dovrei riuscirci quest’anno. Mi piace riflettere su cosa accade, per anticipare cosa accadrà. E’ lo spirito che metto sia nel gioco del Rap che nel mestiere del giornalista. Un giorno li ho uniti ed è nato Reporti.

In due parole: cos’è Reporti, di cosa si tratta, come è strutturato, e dove possiamo seguirti?

Reporti è un esperimento di Rap-giornalismo, o di giornalismo-Rap. Un blog dove ogni settimana carico pillole Rap di un minuto e mezzo dedicate a temi di attualità. Potete ascoltarle all’indirizzo http://reporti.wordpress.com oppure iscrivendovi al canale youtube Reportiblog.

Come ti è venuta l’idea? Credi possa essere qualcosa che, nel suo piccolo, riesca ad avvicinare alla cronaca (politica, soprattutto) persone che altrimenti ne avvertirebbero solo il riflesso?

L’idea mi h venuta dalla constatazione che ci voleva un’idea. Sia per la mia musica che per il mio futuro da giornalista. Mi piace pensare che per qualche ascoltatore Reporti possa essere anche un servizio, oltre che un intrattenimento. Una sorta di accesso semplice a notizie complesse. Poi per quanto mi riguarda rimane una formula sempre in costruzione, mi diverto a sperimentare diversi flow e argomenti, e punto a costruirmi nel tempo un’identità precisa.

Credo che il rap sia un mezzo molto più funzionale di altri per commentare criticamente  l’esistente (in musica, ovviamente). Tu che ne pensi? Credi che il luogo comune “rapper = nuovi cantautori” sia abusato e ridicolo, o pensi che ci sia un fondo di verità, mutatis mutandis?

Secondo me il Rap è il ritmo più rappresentativo dell’epoca in cui viviamo. A me ha preso fin dalla prima volta che l’ho sentito. E mi spiace per chi non la pensa cosi ma, nel bene e nel male, siamo noi i nuovi cantautori. Neanche più tanto nuovi ormai. D’altronde utilizzare rime e versi per criticare lo stato delle cose si è sempre fatto nella storia. Ogni epoca ha avuto il suo di “Rap”. Io però non voglio fare solo critica, mi piace anche spiegarle le cose, e collegarle tra loro per trovare cause comuni.

Siamo quasi alla fine della prima stagione. Come sta andando? Di cosa hai parlato? Qual è l’episodio più riuscito, secondo te, e come mai?

Sono soddisfatto finora. Il lavoro si è rivelato lungo e certe puntate le ho chiuse per il rotto della cuffia. Ma l’obbiettivo era farne uno a settimana e per ora è stato cosl. Ho parlato degli ultimi grandi eventi, come le elezioni europee la canonizzazione dei papi e i mondiali di calcio, ma anche di cose piy vicine a me, tipo Facebook o la re(p)censione di uno spettacolo che sono andato a vedere. L’episodio più riuscito è stato quello in cui ho avuto più tempo per documentarmi e scrivere. Parlo del secondo, “Uh ma la Ue”, un tutorial sul parlamento europeo pubblicato anche su Linkiesta.it. Tuttavia ce ne sono anche altri che mi piacciono, in modo diverso, perchè sono più riflessivi e spontanei, come il sesto sul sistema democratico o l’ottavo sulla febbre da mondiali.

In generale, come scegli gli argomenti e come funziona il processo creativo/produttivo che sta dietro Reporti?

Parte sempre tutto da quello che vedo e che mi succede. Leggo i giornali, osservo la società, e quando sento che manca un’informazione, o la sua coscienza, faccio un Reporti. Per ora ho rappato principalmente su strumentali americane, come nei mixtape, ma mi piacerebbe trovare un produttore interessato a seguirmi in questo progetto. Se ce n’è qualcuno che si faccia avanti! Intanto ho la P Connection e i miei soci Otis ed Mt ad aiutarmi quando servono basi o idee per il pezzo. Insieme escono sempre belle trovate.

Hai già in programma una seconda stagione? Per quando? Cambierai qualcosa nella formula o ti sembra già vincente?

Ora penso solo a finire bene la prima. Ma credo proprio che poi continuerò, dopo l’estate. Non so di preciso quando perchè avrò l’esame da giornalista a fine ottobre, e vorrei anche aggiungere qualcosa al format di Reporti. Come ho detto prima è sempre in costruzione.

Hai altri progetti in corso, come musicista? Ci vuoi parlare di qualche ambizione per il futuro?

Coi Rigor Monkeez sto promuovendo da un anno l’ultimo disco Da New Bomb. Intanto lavoriamo alle nuove uscite, sia del gruppo che dei singoli, ma non posso dirvi altro. Se non di seguirci su Fb e venire alle nostre serate. Le ambizioni per il futuro sono: dare sempre più spessore ai Reporti, continuare a crescere con i Rigor, diventare giornalista e non precipitare nella disoccupazione.

Grazie per la chiacchierata, a presto!

Grazie a voi, ciao!

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Il Caos

Written by • 16 Giugno 2014• Interviste

Il Caos è un progetto figlio di Milano eppure il sound pare profondamente legato a una tradizione mediterranea. Come siete arrivati a questa scelta stilistica?

Non è stata una vera e propria “scelta”, ognuno di noi ascolta generi musicali diversi: ci siamo ritrovati nel progetto “Il Caos” con la voglia di mescolare questi diversi background artistici. Ci accomuna il modo di vivere la musica e il gusto per le tradizioni del nostro paese tra cui la tavola, l’arte, la buona compagnia. 2 su 5 sono originari del sud Italia ma è come se lo fossimo tutti. Diciamo che è stata una scelta inevitabile poiché innata.

Quanto è più facile emergere in ambienti metropolitani, quindi con maggiori spazi, strutture, possibilità rispetto alla provincia, che magari ha il vantaggio di una minore “concorrenza” e come pensate voi, nel futuro, di togliervi dal gruppo degli eterni “saranno famosi”?

Siamo consapevoli di essere agevolati nel vivere in “zona milano” rispetto ad altre band che devono impegnarsi a coprire distanze maggiori. Per noi la musica non è una gara, quindi non viviamo il fatto che ci siano tante band nella zona come “più concorrenza”, anzi, sarebbe bello se ce ne fossero ancora di più! La scena musicale sarebbe più viva, mentre al momento non si direbbe sia proprio così. Sembra godano di buona salute solo le cover band! (ride ndr).  Il nostro futuro musicale si svolge nel presente giorno dopo giorno e se vedremo ballare o cantare sotto al palco vorrà dire che a qualcuno saremo arrivati e che il progetto funziona.

Come definireste la vostra musica senza scadere nell’uso, prettamente critico e giornalistico, dei generi musicali e delle categorie?

Musica di facile ascolto, orecchiabile, senza virtuosismi ma originale negli arrangiamenti. Pensiamo quindi possa piacere sia all’ascoltatore medio che al musicista senza escludere nessuna fascia d’età.

Nelle vostre canzoni usate la lingua italiana, segno che il messaggio da trasmettere a parole voglia essere messo su un piano più elevato o quantomeno paritario rispetto al messaggio musicale in sé. Di cosa parlano i vostri testi e chi ne è l’autore?

L’autore siamo tutti e cinque e generalmente parlano di figa (si può dire?). Scherzi a parte, ci piace lasciare all’ascoltatore la possibilità di interpretare la canzone,crediamo sia un valore aggiunto il fatto che un testo possa assumere un significato diverso per ognuno, lo stesso vale per un film, un quadro, un libro, una poesia…

Che tipo di formazione musicale ha contraddistinto i pezzi de Il Caos? Siete musicisti attenti al lato tecnico o particolarmente viscerali ed estemporanei?

Le nostre canzoni nascono tutte in modi differenti, per lo più vengono sviluppate da un’idea di uno di noi che la propone “nuda e cruda” agli altri. Da lì nasce il vero processo di creazione a cui contribuiamo tutti. Siamo decisamente più viscerali che tecnici.

Nonostante la vostra musica non possa definirsi Pop, nel senso più commerciale del termine, le vostre canzoni scelgono le strade più facili della lingua italiana, del ritornello orecchiabile e della voce registrata a volume notevole e preponderante. È questa davvero l’unica strada per conquistare il pubblico italiano?

No, questo è quello che ci piace, tant’è vero che non siamo mai in grado di inserirci in un solo genere musicale. Non facciamo nulla con l’intento di accattivarci qualcuno, altrimenti faremmo rap per essere commerciali o Punk Rock mischiato ad un cantautorato simil Rino Gaetano per entrare nella musica underground attuale.

Il caos è una necessità, una condizione umana da accettare con la quale convivere serenamente oppure una situazione straordinaria da strutturare che quasi regala senso alla vita stessa?

“Per me è la cipolla” (ride ndr). Il Caos è la realtà in cui viviamo, qualche volta basterebbe accettare che nella vita molte cose accadono per caso. In realtà “IL CAOS” nasce proprio dal fatto che amiamo generi musicali molto diversi e che allo stesso modo componiamo e realizziamo brani con stili diversi, nonostante tutti abbiano un’unica sonorità.

Quanto ritenete importante per la musica il suo valore sociale, oltre il puro valore artistico e quanto i due concetti si legano tra loro? Può l’arte avere un essenziale e unico rilievo estetico?

La musica può avere un valore sociale e sicuramente deve essere accompagnata da un valore artistico altrimenti “è un’altra cosa”. L’arte ha essenzialmente un rilievo estetico, tutto ciò che viene aggiunto dopo è posticcio, non che sia necessariamente un male.

Oggi il pubblico sembra fare sempre più difficoltà a distinguere la musica come intrattenimento e la musica come arte. Pensate che sia un equivoco connaturato al concetto stesso di musica o un errore generato dall’uso sconsiderato della musica fatto da radio e tv? Voi dove vi piazzate?

Oggi l’ascoltatore medio è un ascoltatore distratto. Non è un problema che riguarda solo la musica, tutti siamo distratti in qualsiasi campo. In questo ambito sembra sia la musica commerciale a risentirne di più, soffre di inflazione! E’ sempre meno arte e sempre più artefatto perché chi la propina alla gente è il primo a svalutarla.

L’Ep omonimo, Il Caos, è uscito da pochissimo. Come siete giunti alla sua realizzazione e quali saranno i vostri prossimi passi?

Abbiamo sospeso per un periodo la nostra attività dal vivo, ci siamo chiusi in saletta dedicando del tempo alla scelta dei brani, alla loro stesura e agli arrangiamenti. Abbiamo cercato di racchiudere in cinque canzoni il lavoro svolto da quando il progetto esiste nonostante avremmo voluto dare spazio anche ad altri pezzi momentaneamente esclusi. Siamo stati fortunati ad aver trovato un produttore che ci abbia sostenuto e col quale abbiamo lavorato serenamente. Per il momento vogliamo spingere il nostro nuovo EP. Se andate sulla nostra pagina ufficiale di facebook potrete vedere i nostri impegni live. Non vi nascondiamo che stiamo già lavorando ad un nuovo prodotto, non nell’imminente ma in un futuro “molto” prossimo.

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Four Seasons One Day, l’intervista

Written by • 13 Giugno 2014• Interviste

I Four Seasons One Day da Palermo, HC, Punk e anni novanta nelle vene. Diamo voce ad una nuova band targata Indelirium Records.

Una domanda forse “scontata”, cosa volete esprimere con il nome Four Seasons One Day?
Il nostro nome prende spunto dal famoso detto inglese “four seasons in one day” che significa letteralmente “quattro stagioni in un giorno”, ovvero “oggi è successo un casino” ahahah… Ci sentiamo molto vicino al nome scelto proprio perchè essendo in 4 ed essendo 4 ragazzi diversi a livello di personalità ed identità ci sentiamo parte di un totale chaos che però ci unisce e ci spinge ad andare avanti giornalmente.

Parliamo subito del vostro background musicale: da che parte stanno i Four Season One Day?
Non ci è molto chiara la domanda, la nostra musica rispecchia ciò che siamo. Forse siamo dalla parte delle persone vere, di chi fa musica col cuore per esprimere se stesso, quella è la cosa principale e fondamentale, esprimere se stessi al meglio e nel modo più vero possibile! E’ chiaro che ognuno di noi nella band proviene da ascolti semplicemente e prettamente Hardcore melodico, chiunque tra di noi conosce i Nofx, chiunque tra noi conosce i Green Day per dire… ma è anche chiaro che andando avanti nel tempo ognuno di noi ha prediletto degli ascolti che molto spesso non sono stati uguali per tutti, chi più Hardcore come Valerio il nostro chitarrista cantante e come anche Daniele il nostro batterista, che tra l’altro sono i più “irruenti” i più “pazzerelli” della band, chi più soft magari più sul melodico anni ’90 tra le varie scie emo come il nostro bassista Pietro… questo non implica quindi star solo da una parte, noi crediamo che l’importante sia fare del proprio meglio e creare la propria identità senza copiare, essendo e rimanendo se stessi.

Sappiamo che siete reduci da un bellissimo tour europeo con i vostri amici ONODA. Raccontateci come è stato questo primo tour e che significato ha per voi portare la vostra musica fuori dalla nostra penisola (e nel vostro caso isola).
Il tour è stata un’esperienza fantastica ed è stato bello condividere tutto ciò coi nostri amici Onoda. Quando tempo fa Turi ci propose di iniziare a collaborare con lui, e ci disse che ci avrebbe aiutato facendo un tour anche per noi, beh è stato il “notizione” che aspettavamo da tempo, no? Chi non vorrebbe andare in tour in Europa? È sempre stato il nostro sogno viaggiare e far conoscere la nostra musica, e quindi noi stessi, a più gente possibile. Essere in tour è un’emozione indescrivibile e dopo aver affrontato questa avventura per la prima volta non vediamo l’ ora di farlo ancora.

In Europa la scena è più attenta e partecipe o non avete trovato grandi differenza?
Suonando in Europa ci siamo sentiti parte di una scena che non si limita ad essere locale, bensì si allarga fino a diventare una “macro scena”. Le differenze si notano, eccome se si notano, anche la più piccola delle organizzazioni fuori all’estero è precisa, schematica, nulla è lasciato al caso ed una cosa in particolare ci ha colpito, gli orari! Al contrario dell’Italia gli orari sono rispettati in modo precisissimo, e i concerti iniziano e finiscono tutti ad orari ragionevoli, nulla comincia all’1 di notte o cose del genere anzi al massimo finisce tutto alle 23:30 per lasciar spazio al resto della serata o per permettere a chi magari lavora o studia l’indomani di tornare a casa presto! Il tour e un esperienza fantastica, ti lascia delle grandi storie dentro e ti fa crescere, ti permette di capire che strada prendere sul serio.

Tutti Morti perché ?
Nasciamo e viviamo in modo esageratamente stereotipato! Siamo molto giovani noi, ok questo e chiaro ma noi stessi notiamo quanta monotonia ci sia nel modello di vita media d tutti i giorni soprattutto qui nella nostra nazione. il titolo tutti morti è quasi uno stimolo, uno spunto per poter vivere quindi al meglio le cose pensando a cosa c’è attorno a noi e non lobotomizzandoci, bloccandoci, non facendo girare le rotelle che abbiamo nel cervello! Tra le cose buffe? Abbiamo scoperto che Cant il cantante degli Onoda e alcuni amici del suo giro “Riminense” hanno tatuato addosso questa frase, pazzesco!

Palermo… la vostra città natale, quando è importante per voi far parte di una scena che vanta nomi come Values Intact, Whales Island etc…?
Ci sentiamo onorati a far parte della scena di Palermo la quale ha contato nomi di ottime band, soprattutto nel passato. Speriamo che la storia si possa ripetere, e che Palermo possa di nuovo valersi di ottime band che possano portare avanti la loro passione, i sogni in cui credono… Insomma attendiamo che quel ricambio generazionale che deve esserci e non dovrebbe, che deve esserci, si avveri al 100%. Noi ce la stiamo mettendo tutta.

Indelirium Records ha rilasciato il vostro ep Tutti Morti in formato digitale tramite iTunes, Amazon ed altri store. Quando è importante oggi essere presenti sul web e soprattutto sentite la mancanza di una uscita fisica, come il vecchio supporto cd-audio?
Ad oggi distribuire i propri lavori sulle piattaforme digitali è essenziale. Questa cosa vanta di pregi come la possibilità con un click di poter scaricare, ascoltare i lavori di un gruppo, ma è quasi estinto l’ascolto e l’acquisto dei cd e dei vinili e così via. Noi siamo cresciuti ascoltando i dischi di tutte quelle band che amavamo e ne sentiamo tantissimo la mancanza. Negli ultimi tempi il concetto di “disco” si è completamente mutato, c’è da dire che il vinile negli ultimi anni e tornato un po di moda, questo e positivo anche per questo a luglio usciremo in vinile, vedremo!

Oggi che prospettive può avere una band Punk Rock. Avete dei progetti futuri e sogni nel cassetto?
Grandi prospettive, grandi sogni e grandi aspettative. Il nostro sogno più grande è quello di poter girare il mondo grazie alla nostra musica e vivere di essa, che poi penso sia il sogno di tutti quelli che come noi lo inseguono. Molto spesso bisogna rimanere con un piede per terra, esistono tantissimi gruppi Punk Rock e farsi notare non è affatto facile soprattutto in Italia, questo non implica fasciarsi la testa e smettere di fare, anzi!

Avete dieci battute per salutare i vostri fan.
Ringraziamo tutti quelli che ci seguono e che sentono vicina la nostra musica e ricordiamo che il nostro disco è disponibile su tutte le piattaforme online, ascoltabile gratis su Spotify e disponibile in copia fisica ai nostri concerti. Grazie mille a  Emiliano Amicosante (Indelirium Records Boss) per l’opportunità data riguardo l’uscita del disco in digitale e Rockambula per l’intervista concessaci.

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Bretus

Written by • 27 Maggio 2014• Interviste

Il Doom in Italia è quasi d’élite, in pochi lo propongono in maniera decente. I Bretus sono tra i primi della classe ed abbiamo il piacere d’intervistarli venendo a conoscenza dei loro progetti futuri. Non resta che gustarsi questa interessante chiacchierata.

Ciao ragazzi, direi di cominciare l’intervista presentando i Bretus ai nostri lettori…
GHENES: Ciao Vincenzo . I Bretus sono nati ufficialmente nel 2000 da una mia idea , ma è solo nel 2007 che abbiamo iniziato a pensare a noi come ad un gruppo vero e proprio. Da allora abbiamo rilasciato un demo, un Ep e, per ultimo, nel 2010 il full “In Onirica”. Altri pezzi sono poi comparsi in alcune compilation delle più importanti fanzine/webzine del genere, italiane e straniere. La band è composta da me, Zagarus (voices), Azog (low guitar) e Striges (percussions).

Come mai la scelta di riproporre e rimasterizzare l’omonimo del 2010?
GHENES: E’ stata un’idea della Doom Cult Records. Avevamo fatto uscire l’Ep in numero limitato con la piccola etichetta Mad Die Records, ma le copie sono terminate in poco tempo. Per quanto riguarda il remaster, a noi poteva andare bene anche il suono dell’Ep così com’era venuto, ma è come se gli avessimo dato una rinfrescata, e magari sono venuti fuori dei dettagli che prima non si notavano.

Quali sono le principali differenze tra l’omonimo del 2010 e quello di oggi? Che tipo di lavoro avete svolto?
GHENES: Più o meno il lavoro fatto sui due dischi è stato il medesimo. Abbiamo messo insieme in studio le idee che avevamo. Essendo nato il gruppo come un progetto da studio, i dischi sono stati registrati senza mai provarli tutti insieme prima in sala e, a parte il fatto che In Onirica è un full, non troviamo delle differenze sostanziali tra i due album. Per noi, così come per tutti, la musica è una questione di sensazioni. Di sicuro nell’ultimo album avere una line up più o meno stabile, ci ha permesso di mettere a fuoco meglio alcune cose, ma siamo soddisfattissimi anche della spontaneità del precedente Ep.

Che idea vi siete fatti della scena Doom in Italia?
GHENES: In Italia abbiamo sempre avuto una tradizione consolidata nel Doom, e all’estero questo ce lo riconoscono. Sono tante le band italiane “meritevoli” (troppe per nominarle tutte e non lasciarne fuori qualcuna) e nella scena ci si supporta a vicenda, consapevoli che non diventeremo mai ricchi e famosi suonando un genere così particolare, e che la musica non è una gara sul chi suona meglio o per chi ha l’immagine più curata. Come dice qualcuno: questione di attitudine!

Molti di voi sono impegnati, oltre che con i Bretus, con altre band. Riuscite a dividere e ad equilibrare gli impegni?
GHENES: Non suoniamo spesso in giro. Considera che ad oggi abbiamo fatto solo tre concerti, quindi nessuno nella band deve fare i salti mortali per dividersi fra i vari impegni, e nessuno nella band è stato mai costretto a lasciare un precedente impegno per dare spazio ai Bretus. Suonare deve essere sempre e comunque un piacere.
ZAGARUS: Quando c’è passione e volontà tutto diventa “gestibile” , conta che non campiamo con la musica, quindi oltre agli impegni con le altre band ,bisogna anche mettere in conto i problemi di tutti i giorni, lavorativi e non. Come ha detto poco fa Ghenes, non siamo una band che suona spesso in giro, preferiamo la qualità alla quantità e soprattutto suonare possibilmente in contesti a tema, se si tratta di festival Doom come avvenuto a Malta o come avverrà a Vienna, meglio ancora.

Che riscontri ha ottenuto l’omonimo di oggi? E’ venduto di più tramite internet o durante le vostre date live?
GHENES: Al momento è ancora presto per dire come sta andando, ma di sicuro non suonando molti concerti i dischi li vendiamo di più tramite internet che, se usato bene, può essere uno strumento eccezionale per farti conoscere. Andiamo in giro con gli altri nostri gruppi da un po di tempo e l’esperienza non ci manca, sappiamo bene come funziona, ma notiamo con piacere che la nostra musica suscita reazioni positive anche in posti dove non ci hanno mai ascoltati dal vivo.

Come siete entrati in contatto con la Doom Cult Records?
ZAGARUS: Il tutto è nato tramite Facebook, dopo l’uscita del full per Arx Productions, iniziammo a ricevere un pò di richieste per il mcd d’esordio, a quel punto iniziammo a pensare ad una ristampa.La label che si dimostrò disponibile a stamparlo in breve tempo fu la Doom Cult Records del mio amico Etienne che a dirla tutta voleva stampare anche il primissimo demo.

Per quanto riguarda i concerti futuri invece, dove potemmo ascoltarvi?
GHENES: Siamo stati confermati per il Doom over Vienna a Novembre di quest’anno. Sarà un’altra bellissima esperienza da fare dopo il Malta Doom Metal Festival dell’anno scorso, ma per il momento è l’unica data che ti posso anticipare.

Cosa bolle in pentola per i Bretus, cosa ci riserverete per il futuro?
GHENES: Stiamo preparando il nuovo album, che uscirà nel 2015 per la storica etichetta Bloodrock di Genova. Non ti posso ancora anticipare i dettagli perchè al momento non c’è niente di definitivo, ma ti assicuro che sarà una una piacevole sorpresa per tutti quelli che hanno apprezzato i precedenti album. Di sicuro non cambieremo genere solo per attirare nuovi “adepti”.
ZAGARUS: In questi giorni è uscita anche la versione LP di In Onirica sempre tramite la Blood Rock Records del nostro amico Enrico Spallarossa, in estate uscirà uno split 7″ assieme ai nostri amici Black Capricorn, il disco verrà stampato dalla The Arcane Tapes che aveva già stampato la versione tape del nostro full.

Prima di chiudere, in generale a cosa aspirate con i Bretus?
GHENES: Vogliamo solo suonare la nostra musica e, possibilmente, conoscere tanta gente appassionata come noi… d’altra parte siamo sempre e comunque dei music fans con la voglia di divertirsi. Mi pare che basti no?

Bene ragazzi, l’ intervista si chiude, concludete come meglio vi pare…
GHENES: Grazie a te per il supporto. speriamo di incontrarci presto da qualche parte con una birra in mano e la musica a tutto volume!!!
ZAGARUS: DOOM ON!

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Sophya Baccini

Written by • 2 Maggio 2014• Interviste

Un artista dalle mille sfumature, una musicista degna di nota e piena d’inventiva, Sophya Baccini è colei che personalmente reputo la Regina dell’ Underground tricolore. Completa su tutti i fronti, abbiamo l’onore di ospitare sulle pagine di Rockambula questa icona del Prog. Tra una chiacchiera e l’altra siamo riusciti a strappare qualche informazione che riguarda lei, i suoi Presence e l’ ultimo disco che ha sfornato da solista con gli Aradia intitolato Big Red Dragon.

Sophya, tanto per cominciare che ne diresti di presentarti a qualche nostro lettore meno informato?

Sophya Baccini, cantante, pianista, autrice dei testi, compositrice. Carriera più che ventennale, una passione che è diventata un lavoro. Ho cominciato con lo studio del pianoforte e del canto, poi ho fatto alcune tournèe come vocalist al seguito di cantanti italiani. Dopo qualche anno ho sentito l’esigenza di dedicarmi alla “mia” musica, ed ho fondato i Presence, gruppo di Metal sinfonico con forti influenze Dark con cui ho pubblicato dal 1990 al 2008 sei dischi in studio ed uno dal vivo, prodotti dalla Black Widow di Genova. La prima cantante, dicono, a creare una commistione tra il Metal, il Dark e l’Opera Lrica, le mie tre grandi passioni. Due dischi come solista all’attivo, Aradìa del 2009 e Big Red Dragon, che è appena uscito. Molti dischi dei Presence, e BRD, sono stati stampati anche in vinile. In occasione dell’uscita del IV dei Presence, Black Opera, sono stata votata, bontà loro, la quarta miglior voce Rock femminile al mondo. Ho fatto dischi con l’orchestra (The Sleeper Awakes dei Presence) ed ho collaborato con tanti gruppi e cantanti della scena Rock e Prog, quali Delirium, Osanna, Banco, New Trolls, ed ultimamente per BRD Christian Decamps, (dei francesi Ange) Sonja Kristina, (Curved Air, che vedeva alla batteria Stewart Copeland dei Police) Steve Sylvester, Roberto Tiranti, Aurelio Fierro jr., Lino ed Irvin Vairetti. Mi piace sperimentare, fare quello che non è mai stato fatto, ma senza finire nella trappola della musica astrusa o incomprensibile.

Sei inserita nel campo musicale in diversi settori con collaborazioni che spaziano da artisti Underground a quelli più noti che addirittura hanno partecipato al Festival di Sanremo. Attraverso la tua ventennale esperienza cosa pensi che manchi ai gruppi o agli artisti meno conosciuti per aver l’ occasione di avere più visibilità e più notorietà? E soprattutto noti una differenza “artistica” nelle canzoni o nei lavori di un artista Underground rispetto ad uno famoso?

E’ sparita la musica dalla televisione innanzi tutto, parlo della musica suonata dal vivo, non ovviamente dei canali tematici che trasmettono video e cose del genere. Sono spariti i generi alternativi dalle radio. Oggi un’emittente a diffusione nazionale o quasi, un network, ti chiede cifre impossibili per trasmettere le canzoni, cifre che soltanto una major può permettersi. Il risultato è che i pezzi che girano sono sempre gli stessi, e l’appiattimento che ne deriva, per chi ha voglia di buona musica, è quasi deprimente. Sono spariti i disc-jockey coraggiosi che pescano nel mondo alternativo e ti fanno ascoltare qualcosa di nuovo e di estraneo al mondo commerciale, ma magari commerciabile! Quando succede, sono sempre artisti stranieri, questo sia perché le major sono ormai quasi tutte straniere, sia per una certa sudditanza che abbiamo noi italiani verso tutto ciò che proviene dall’estero. Peccato, perché la differenza artistica è abissale. C’è tanta spazzatura nell’undeground, c’è anche un’offerta esagerata, ma ci sono anche tante cose bellissime, a volte autentiche perle che andrebbero valorizzate dando una bella spinta e una boccata di ossigeno ai nostri musicisti.

Big Red Dragon è il titolo del tuo nuovo disco che vanta della collaborazione di diversi esponenti della scena Heavy nostrana. Come mai la scelta di queste special guest?

BRD è un disco dedicato alla figura di William Blake, che come sai è stato un vero genio multiforme, pittore, poeta, filosofo, ideologo, inventore. Precursore del Romanticismo, vissuto alla fine del 1700, importantissimo per tutta la cultura Rock e non solo. Stranamente, a parte qualche omaggio isolato tipo copertine o canzoni, non esisteva finora un lavoro incentrato completamente su di lui. Io mi sono concentrata sui suoi lavori pittorici, ho scelto 11 quadri tra la sua immensa produzione e per ognuno ho scritto un pezzo. Quando ho deciso la tematica, ho pensato anche che un argomento così importante meritava degli interpreti altrettanto eccezionali, così sono andata da Massimo (della Black Widow) e gli ho fatto un elenco di “desideri”.. Lui ha accettato la proposta, ha rintracciato tutti e ci ha messi in contatto. Christian Decamps e Sonja Kristina mi sembravano perfetti, uno per la sua voce intensa e malinconica, l’altra per la sua fantastica carriera e il suo timbro unico e dolcissimo. Steve Sylvester era l’unico interprete possibile per un brano come “The Number”, ispirato al quadro della Bestia 666. Stesso discorso per Enrico Iglio, tastierista dei Presence. Loro due insieme lo hanno reso incredibilmente oscuro e potente. Lino ed Irvin Vairetti degli Osanna li conosco ormai da anni, sono innumerevoli le reciproche collaborazioni ed ospitate, ho pensato subito a loro per le parti di Dante e Virgilio ne “La Porta dell’Inferno”. Solo Roberto Tiranti, con la sua estensione illimitata, poteva reggere la tessitura di “Just”. Infine Aurelio Fierro jr., nipote del celebre omonimo nonno, con la sua voce potentissima era l’ideale per cantare la title track, “Big Red Dragon”. Devo dire che tutti hanno accettato con entusiasmo, e mi hanno regalato delle interpretazioni favolose, personali, in una parola uniche.

Insieme a te protagonisti in assoluto in questo nuovo disco sono gli Aradia. Perchè non li presenti al nostro pubblico?

Era sempre stato un mio pallino, un sogno, avere una band al femminile. Per pubblicizzare Aradìa, tra il 2009 e il 2011 avevo fatto alcuni concerti acustici dove c’ero io al pianoforte e voce, Chicco Accetta alla chitarra e Stella Manfredi al violino. Proprio la presenza di Stella, che ho conosciuto tramite Lino Vairetti, mi ha fatto ricordare questo mio desiderio. Tenendo fermo Chicco che per me è inamovibile, ho pensato di affiancare a Stella altre musiciste per questo disco. Ho messo un po’ in giro la voce, e sempre tramite Lino è arrivata Francesca Colaps, la batterista. Giovanissima come Stella – tra l’altro hanno legato subito ed insieme sono incontenibili – si è tuffata nel progetto con una passione ed un entusiasmo favolosi. Lei studia Jazz, quindi il mondo Prog e Dark le era totalmente sconosciuto. Questa cosa mi ha fatto piacere, perché io cercavo proprio un approccio non convenzionale. E’ stata meravigliosa, ha imparato in pochissimo tempo dei brani obiettivamente difficili nelle strutture, ed ha registrato la batteria in studio in pochissimo tempo. L’ho lasciata libera di esprimersi, ho fatto così con tutte loro, perché volevo un gruppo, non dei turnisti. Trovare la tastierista invece è stata un’impresa, quasi avevo rinunciato.. poi una mia allieva di canto mi ha presentato Marilena Striano, ed è stato amore a prima vista. E’ diplomata in pianoforte, quindi ha una base classica che nel Prog è indispensabile, ma ha anche una vastissima esperienza live con gruppi di Pop Rock italiani di fama, cosa che le ha dato uno stile ed un’apertura mentale davvero rari. Ascolta e suona di tutto, dai Pink Floyd ai ZZ Top a Battiato, al commerciale raffinato. E’ suo il pianoforte in Beatrice, che abbiamo registrato dal vivo in sala solo piano e voce. Io le ho dato la linea di canto, e lei ha arrangiato le armonie e le due parti strumentali. Buona la prima! Stella si sta diplomando in violino, e suona anche la viola. Questo suo talento mi ha permesso di arrangiare gli archi come se avessi un’orchestra, e pezzi come “William”, “La Porta dell’Inferno”, “While he’s Sleeping” non sarebbero gli stessi senza di lei. E poi c’è Chicco, che secondo me è il vero valore aggiunto di Big Red Dragon. Suono personalissimo, tocco magistrale, assoli sempre in equilibrio perfetto tra tecnica ed emozione. Particolarmente in “Just” e “Cerberus”, ha suonato in maniera divina! Un bluesman al servizio del Dark e del Metal. Infine, e questa è storia recentissima, da meno di un mese è arrivata Isa Dido, la bassista. Per BRD in studio mi sono occupata io delle linee di basso, che ho suonato con un synth. Ma dal vivo ci serviva un basso vero.. ed ecco Isa. Ce ne ho messo di tempo per trovarla, non mi accontento quando si tratta di musicisti.. lei è perfetta per noi! Brava, colta, carina, innamorata di Jaco Pastorius.

Prima il lavoro con gli Aradia e poi la scelta dell’ ospite d’ eccezione, ma fondamentalmente come sono nati i pezzi, come vi siete mossi?

Ho una piccola attrezzatura qui a casa, che mi consente di registrare e di arrangiare in MIDI i miei brani. Quando ho finito il disco, prima di entrare in studio mi sono resa conto che non volevo fare un altro disco da solista dopo Aradìa, volevo un progetto corale più ampio, un gruppo. Ho cercato gli elementi e quando li ho trovati ho dato ad ognuno di loro le demo senza le loro parti registrate. In questo modo hanno potuto studiare i brani senza farsi influenzare dal mio lavoro, e poi siamo andati in sala a registrare.

Invece dei Presence cosa ci dici, li risentiremo? C’è qualcosa con loro in cantiere?

Stiamo preparando il nuovo disco, sto mettendo le voci sui nuovi pezzi.

Sei napoletana come me, penso perciò che la scena (assente) Hard’n’Heavy partenopea la conosca fin bene anche tu. A parer tuo, cosa credi si debba o si possa fare per farla rivivere o quanto meno crescere l’ affluenza?

La parolina magica è sempre quella: visibilità. Oggi abbiamo il web che ci dà una grossa mano, lo vedo con BRD. Quando è uscito il primo dei Presence, nel 1990, ho speso un patrimonio solo per mandare in giro il disco e farlo conoscere ai critici, alle radio, alle fanzine. Era un’edizione limitata, e se n’è andata quasi tutta in promozionali. Siamo stati fortunati perché siamo entrati in contatto con la Black Widow, altrimenti non saremmo qui a fare oggi quest’intervista, ma per anni l’alternativa che avevo era: spedisco i pacchi o vado in vacanza? La risposta la conosci, ma è stata veramente dura. Anche la sala d’incisione costava tantissimo, mentre oggi ho una piccola attrezzatura qui a casa che mi consente di fare i provini e di abbattere notevolmente i costi. Invece ora, appena è uscito BRD, è bastato mettere l’annuncio sulle mie pagine e qualche pezzo sul canale youtube per vendere subito, e tanto! Una cosa impensabile anche solo 10 anni fa.. Ma in Italia internet non è ancora diffusa a livello capillare. Accanto al web ci vorrebbero le TV libere, le radio. Io accendo la TV e vedo un gruppo sconosciuto che non suona solo musica napoletana, e che mi piace. Magari ho la possibilità di fargli qualche domanda in trasmissione, come fanno quelli della musica napoletana classica, o addirittura i neomelodici, che hanno praticamente monopolizzato lo spazio. So che suonerà in quel locale il tale giorno, me lo vado a vedere. Non ho dovuto fare una ricerca dedicata e laboriosa sul web, cosa che fanno solo quelli che il genere lo conoscono già. Insomma, per non essere più un genere di nicchia, dovremmo finalmente uscire, da questa nicchia.

Del tour cosa puoi dirci, dove suonerai nei prossimi giorni, che date hai fissato?

Ora che il gruppo è al completo, mi sto muovendo per suonare sia in Italia che all’estero. Saremo a Genova sul palco verde del FIM il prossimo 16 maggio, e poi qui a Napoli il 23. Sto chiudendo altre date a Roma e Milano in estate e in autunno.

Sei un artista che stimo tantissimo: coerente, passionale, fedele e piena d’ inventiva, l’ unica vera Regina dell’ Underground. Mi sono sempre chiesto cosa ti ha spinto a restare diciamo cosi di più nell’ ombra dato che di grandi occasioni ne hai avute?

Questa è una bella domanda.. Sì è vero ho avuto e continuo ad avere grandi occasioni, ma mai così grandi da farmi rinunciare a tutto quello che in questi anni ho costruito, con pazienza, con tenacia, con un pizzico di testardaggine. Non sono stupida o inutilmente idealista, non combatto contro i mulini a vento. Se sono qui è perché di buoni risultati, con la mia musica, ne ho avuti. Sicuramente migliori di quelli che avrei ottenuto “vendendomi”, in senso buono ovviamente, alla musica leggera. Questo perché mi ha sempre interessato molto di più la musica che l’apparire. Ho conosciuto tanti colleghi e colleghe che facevano carte false, e avrebbero suonato qualsiasi cosa pur di stare sotto i riflettori. Poi venivano puntualmente scaricati, perché considerati artisti non completi. Adesso fanno altre cose e suonano magari per hobby, mentre io sono ancora qui e pubblico il mio ennesimo album. Non sono prima in classifica? Magari è solo questione di tempo.. No scherzo.. Sai che comunque io lavoro anche in ambiti più commerciali, come arrangiatrice, come corista e vocalist.. beh posso dirti che ultimamente, a causa della crisi che nel settore dello spettacolo è fortissima, sto guadagnando di più con Big Red Dragon, specie da quando è uscito il vinile, che con il resto. Un segno dei tempi? Speriamo!

Bene Sophya l’ intervista si chiude qui, concludi come meglio ti pare…

Saluto tutti i lettori di Rockambula, che ringrazio, e ringrazio te per la visibilità. A chi segue questa musica vorrei dire di dare una piccola chance mentale anche a chi non è diventato famoso negli anni ’70. Le sorprese potrebbero essere fantastiche.. Ciao!

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Aut in Vertigo

Written by • 28 Aprile 2014• Interviste

Hanno vinto l’ultima edizione del nostro Contest AltrocheSanRemo, gli Aut In Vertigo ci parlano delle loro esperienze artistiche, della musica Rock e della pasta scotta. In Italia non abbiamo la cultura per i live come nel resto del mondo.

Vincitori del nostro super testato Contest AltroCheSanremo. Gli Aut in Vertigo, a questo punto sono obbligate le presentazioni, ci parlate di voi?

Siamo una band piemontese, della provincia di Torino, nata nel 2004. Evoluzioni e cambi di formazione ci hanno portato dal 2012 alla line-up che oggi potete conoscere. Suoniamo per raccontare quello che viviamo, cosa sentiamo e cosa pensiamo; per divertire e per divertirci, per condividere con il pubblico il nostro modo di vedere il mondo.

Adesso vogliamo conoscere anche tutto quello che avete fatto fino a questo momento della vostra vita artistica…

Come abbiamo detto, nel 2004, siamo nati da un progetto condiviso sui banchi di scuola, per poi raccattare amici e conoscenti con una visione comune del mondo e della musica. Abbiamo iniziato a suonare, dal piccolo e poi sempre più in alto, e nel 2007 abbiamo inciso il primo lavoro, Welcome. Abbiamo partecipato a diversi contest, come Emergenza, TourMusicFest, Torino Sotterranea, e così via, che ci hanno permesso di conoscere molte altre band e suonare su palchi d’eccezione. Nel 2012 abbiamo cambiato formazione, e con i nuovi musicisti la band ha dato una vera e propria accelerata. Ecco che nel 2013 è uscito iI nostro disco In Bilico, che riassume parte del lavoro fatto negli anni, e parte della nuova spinta verso il futuro.

Stiamo parlando di una band emergente e soprattutto indipendente, trovate difficolta nell’inserirvi nell’ambiente musicale italiano?

Sì, se parliamo di palchi istituzionali. Suonare in giro non è difficile, ma è difficile farsi considerare, soprattutto se la musica proposta non è immediata o di moda, difficile entrare nelle reti di locali dove suonare, se non hai già un giro, che purtroppo non si crea solo sapendo suonare bene. Spesso e volentieri ci troviamo di fronte alla valorizzazione di band con scarso valore artistico-musicale ma molto “appariscenti”, con i quali sembra che i “ganci” siano più importanti della musica.

Pensate che gli altri artisti nel resto del mondo vivano le stesse vostre difficoltà? Perché?

Non lo sappiamo. Altre band amiche che hanno fatto tour in USA o in nord Europa ci raccontano che lì la cultura del live è diversa, che c’è attenzione e considerazione anche per le band emergenti, e soprattutto ascolto del prodotto che stai proponendo. Continuiamo a sperare che questo modo di vivere e ascoltare la musica arrivi anche qui…

Com’è il vostro rapporto con i locali (o gestori) per quanto riguarda la possibilità di esibirvi? Raccontateci anche qualche particolare situazione in cui vi siete trovati.

Il rapporto è difficile, nei locali medio/grandi è possibile suonare solo con i contest. Meno male che ci sono, ma è un po’ frustrante essere valutati solo per il numero di persone che si portano, che pagano o che consumano. La maggior parte dei locali non rispondono nemmeno alle mail, e anche questo rende tutto più complicato. Detto questo, ci sono anche gestori attenti, che ti danno la possibilità di suonare senza troppe storie e senza tirarsela tanto. Se vuoi un aneddoto, una volta, in centro a Torino, ci siamo montati completamente il palco, dalle spie, alle luci, al setting (della serie: arrivare concentrati al live) attaccato con cura tutto alla ciabatta e dopo due ore che nessuno del locale ci considerava abbiamo scoperto che il mixer non esisteva. Capisci? Questa ti sembra “cultura del live”? O anche solo professionalità? A noi no. Per fortuna il nostro pubblico è superbo, ripaga ogni sforzo, e non c’è serata in cui non ci sentiamo arricchiti dalle persone che ballano, ascoltano, criticano e condividono le nostre fatiche. Ecco, se dobbiamo dirla tutta il grazie più grande va a loro, non ai locali, né ai contest, ma alla gente che col sorriso ti accompagna e ti solleva in modo costruttivo.

Pensate sia giusto ricevere un cachet anche da perfetti sconosciuti? E non parlo del vostro caso ma in generale. Dove entrambe le cose non fossero possibili, meglio suonare tanto e gratis (o quasi) oppure suonare poco ma ben remunerati?

Pensiamo che sia meglio suonare tanto, giustamente remunerati. Sono molte le ore che una band come la nostra trascorre a pensare, progettare, allenare e perfezionare lo spettacolo, così come sono molti i fondi investiti, i km fatti, il tempo sottratto al lavoro che ci sfama. Dunque suonare e almeno non perderci i soldi investiti per raggiungere il palco, o per affittare la strumentazione mancante, ci sembra il minimo. Suonare tanto, anche aggratis, è indispensabile per farsi le ossa e l’esperienza, ma fino ad un certo punto e fino a un certo livello: se una band muove anche solo un centinaio di persone e intrattiene per un ora e mezza, beh, una birra e una pasta scotta non bastano più.

Tralasciando i contest on line, trovate che quelli più popolari e dove si suona dal vivo siano utili per una band emergente? Vi faccio qualche esempio, Arezzo Wave, Marte Live etc…

Utilissimi. Come dicevamo prima, grazie ai contest abbiamo raggiunto palchi difficili da raggiungere per una band emergente. Per chi è di Torino parliamo dell’Hiroshima, delle Lavanderie Ramone, le Officine Corsare o i Giancarlo ai Murazzi. Inoltre si conoscono e incontrano altri musicisti e altre band, e questo è sempre arricchente. Trovando dei limiti, da musicisti, a volte sembra poca l’attenzione verso la proposta musicale: non è sufficiente ascoltare due pezzi su youtube per capire qual è la ricerca di una band; se si organizza bisognerebbe avere la pazienza di scendere nel dettaglio, sebbene implichi tempo e denaro ma è il prezzo per fare un lavoro di qualità e migliorare la proposta artistica nazionale. Altro problema, molto più concreto è al solito il chiedere a chi ti segue di pagare la tessera associativa di turno, l’ingresso, ecc ecc. Certo, la colpa non è solo di chi organizza, ma anche la mancanza di politiche adeguate a finanziare le attività giovanili in generale, tra cui la musica live.

Avete mai avuto a che fare o solo sentito parlare degli uffici stampa? Cosa pensate? Una band precedentemente intervistata si lamentava dei prezzi, voi come vedete queste realtà ormai fondamentali per farsi conoscere?

Sì, conosciamo il mondo degli uffici stampa. Con l’uscita del nostro disco In Bilico, abbiamo deciso di fare questo investimento. Il punto è che la promozione e la diffusione delle informazioni sono importantissimi, ed è necessario farli per valorizzare il lavoro che hai fatto: abbiamo imparato che bisogna starci dietro quotidianamente per avere dei risultati, e se non può farlo il musicista in prima persona, deve farlo qualcun altro. Ci siamo avvalsi di Rosina Bonino, ufficio stampa di Fratelli di Soledad, DotVibes, Invers, Dagomago e molti altri, e con la sua professionalità e esperienza, ci siamo trovati davvero bene. Affidarti a dei professionisti che si occupano di questi aspetti, ti permette di concentrarti ancora di più sulla musica e sugli spettacoli live.

Esiste ancora la possibilità che un gruppo come voi riesca ad emergere con le proprie forze?

Beh, è quello che speriamo. In ogni caso crediamo che suonando tanto, dando il meglio di sé, e avendo qualcosa di originale da proporre, le possibilità ci siano per tutti.

Perché qualcuno dovrebbe ascoltarvi?

Perché ama il Rock, ama i testi in italiano, ed è stufo di sentir dire che il Rock nel nostro Paese è in mano a pochi famosi artisti. Tutte le nuove proposte mainstream in Italia escono da reality show, ora, ma secondo noi la musica non è spettacolarizzazione della vita, è una cosa seria che richiede fatica, lavoro e studio. La musica può trovare mille vie per uscire fuori ma deve avere le possibilità per essere valorizzata, non vuol dire per forza diventare milionari, ma aspirare al riconoscimento di un lavoro che ha valore. La gente potrebbe ascoltarci perché il nostro è un prodotto sincero, che racconta delle storie nelle quali riconoscersi, che veicola sentimenti comuni, perché ha voglia di scoprire storie nuove, ambientate nelle nostre città, e perché ha voglia di venire sommerso dalla nostra energia dal palco.

Cosa riserva il futuro per voi? State preparando qualcosa?

Stiamo continuando a portare in giro i brani dell’ultimo disco, e nel frattempo stiamo scrivendo pezzi nuovi. Stiamo preparando due videoclip e pensando a un nuovo lavoro discografico.

In questo spazio potete dire tutto quello che volete e che non vi è stato chiesto e fare pubblicità alla vostra band.

Beh sicuramente vogliamo ringraziare Riccardo e lo Staff di Rockambula per questa occasione, oltre a quella del simpatico contest AltrocheSanremo. Tutti i fans che leggeranno e le persone nuove che vorranno cliccare “mi piace” sulla pagina Fb www.facebook.com/autinvertigo . Aut In Vertigo è un modo bello di fare musica, ascoltare, condividere, fare strada insieme. Aggiungetevi alla cumpa, non ve ne pentirete.

Rivoluzione

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3 Fingers Guitar

Written by • 19 Aprile 2014• Interviste

3 Fingers Guitar è un cantautore Post Punk, un animale elettrico, una “quasi” one man band. Chi è Simone Perna, quanto c’è di lui in 3FG, e come è arrivato a fare questo disco, Rinuncia all’Eredità?
Fare questo disco è stata una necessità. Più che in altre occasioni. Ho dovuto farlo per liberarmi da cose rimaste in cassetti chiusi per molto tempo ma che continuavano a riproporsi comunque davanti ai miei occhi.  Quindi sì. In 3 Fingers Guitar c’è molto di me.

La scelta di suonare quasi tutto da solo è nata da una necessità o è una precisa scelta artistica? Doversi bastare è più facile o più difficile rispetto alla vita (sul palco e in studio) con una band?
Direi una necessità pratica che è diventata una scelta artistica di conseguenza. Una situazione del genere ti dà sicuramente autonomia e questo è un vantaggio. Per fortuna non vedo grandi svantaggi, è una condizione che ho scelto abbastanza conscio di tutto quello che comporta. Alla fine si riduce tutto alla motivazione che ti muove a fare le cose.

È difficile inquadrare la musica che fai. In Rinuncia all’Eredità” c’è del cantautorato, come dicevamo, insieme ad un’urgenza che sta a metà tra Punk e Blues. Ci sono attimi intensi, graffianti, ma anche panorami quasi sospesi, ossessivi. La pasta sonora dei tuoi pezzi, l’ambiente in cui li immergi, i vestiti che cuci loro addosso, sono frutto di un calcolo o di un lanciarsi a capofitto nell’improvvisazione più pungente?
Quasi tutti i pezzi sono nati da scampoli, piccole idee, riffs minimali di chitarra o loops ritmici ripetitivi. Quindi di lì l’improvvisazione certo, lo sviluppo di strati sonori istintivi, nati sul momento, a servizio di strutture a volte nate spontaneamente e altre volte invece meditate a lungo. Diciamo che entrambe le cose a cui ti riferisci coesistono.

Parliamo del disco. Qual è il brano “centrale”, quello a cui faresti riassumere la narrazione dell’intero album? E invece quello più ai margini?
Il brano centrale è sicuramente la title-track. Lo snodo narrativo del concept è lì. Un padre sul letto di morte, un figlio che lo ritrova lì, dopo anni di assenze reciproche e rancori. Un confronto cruciale di esistenze riflesse.  Non so individuare quello più ai margini, hanno tutti, chi più o chi meno, a che fare con lo stesso tema e sono legati tra di loro.

La scelta di farlo in italiano, dopo i primi lavori scritti in inglese, da cosa è dipesa?
Dal fatto che in primis l’inglese non è la mia lingua madre. Per un po’ il gioco ha retto ma quando il problema si è posto in termini di autenticità espressiva ho rivisto le mie posizioni nei confronti dell’italiano. Perché apparentemente l’inglese è una lingua  più musicale, più semplice da trattare in termini di rime e assonanze all’interno di un testo musicato. Quando però mi sono ritrovato a cantare su un palco un pezzo in inglese rendendomi conto di non essere convinto appieno del senso sia grammaticale che strettamente comunicativo di ciò che stavo dicendo, mi sono reso conto che era il momento di cambiare. Quello che volevo far arrivare al pubblico in quel momento non ero in grado di farlo uscire appieno.

Chi è il padre, e cosa ha lasciato in eredità? E perché, soprattutto, ci si sottrae a questo lascito?
Il padre e un’allegoria. Rappresenta il passato. Un passato fatto di traumi che non riusciamo a risolvere e che condizionano il nostro presente. Mi spiego meglio: in generale nella nostra vita e nei nostri rapporti umani inseriti nella società in cui viviamo  ci può capitare di avere a che fare con cose non particolarmente piacevoli. Cose che ci segnano, che ci fanno star male e che ci portiamo dentro. La cosa terribile che ho constatato a volte  in me e negli altri è questo sentirsi inconsciamente autorizzati a far star male altre persone sulla base di ciò che abbiamo subito noi in precedenza. Un modo per liberarsi dei propri traumi che in realtà non fa altro che generare altro dolore e alimentare sensi di colpa. Una cosa tremendamente autocompiaciuta e che a volte  serve a giustificare la parte peggiore di noi.

Perché il codice morse nel booklet? Un divertissement casuale o una precisa aggiunta a posteriori?
Il codice morse è stata un’idea di Cinzia La Fauci di Snowdonia Dischi che ha curato con estrema attenzione la parte grafica. Una scelta estetica minimale che mi ha convinto subito. Ma è soprattutto un modo per comunicare  alcuni sottotesti dell’album. Sta alla pazienza e alla voglia di chi si appassiona all’ascolto del disco decifrarli.

Sono affascinato da questo modo di saper intendere il cantautorato in modo anche molto diverso da quello che anni di De André, De Gregori, Guccini ci hanno fatto sedimentare nelle orecchie: anche oggi i loro epigoni imperano, col risultato, spesso, di rallentare le possibili evoluzioni della cosiddetta “canzone d’autore”. So che tu, invece, ti ispiri ad altre realtà: Claudio Rocchi, Fausto Rossi… cosa pensi di aver inserito nelle tue canzoni che si ispira a questi “grandi outsider”?
E’difficile parlare di ispirazione per me. Nei confronti di ciò che ascolto e che mi appassiona mi vedo come una specie di spugna che assorbe cose anche diversissime tra loro. Nel caso dei cantautori italiani a cui ti riferisci, nelle Border Nerves Sessions (4 video-cover rispettivamente di Juri Camisasca, Fausto Rossi, Federico Fiumani e Claudio Rocchi) ho voluto rendere omaggio ad autori che amo e che hanno un approccio alla canzone in cui mi ritrovo. Viscerali, istintivi, a volte grezzi nella forma ma sempre molto personali. Attenzione però. Si può essere epigoni di chiunque. Il punto per me è assorbire il più possibile dalle cose che mi coinvolgono e mi colpiscono (quindi certamente  anche De Andrè, De Gregori..) e cercare poi di dare una forma che mi convinca a quello che faccio.

Un altro cantautore sui generis che è uscito da poco col disco nuovo è Vasco Brondi (Le Luci della Centrale Elettrica). È evidente che per tanti motivi i vostri dischi siano distanti anni luce, ma io ho trovato anche qualcosa che forse li lega: il tentativo di sposare l’idea di “cantautore” con questa urgenza Post Punk (nel tuo disco è ovunque, in quello di Vasco affiora qua e là, nei suoni, nelle strutture dei brani) che, in qualche modo, tenta uno sradicamento dei cliché che la canzone italiana si porta dietro anche nei suoi lati più “indipendenti”. Questa Rinuncia all’Eredità la possiamo intendere anche in un senso “meta”? Ignorare, o meglio ancora, spezzare i topoi che ci precedono e creare qualcosa di veramente nostro, anche assumendoci la responsabilità degli errori e delle difficoltà di comunicazione che, inevitabilmente, ci troveremo ad affrontare? In altre parole: c’è nella tua musica il tentativo cosciente di renderla “nuova” e quindi, in qualche misura, “difficile”?
Se da ascoltatore  hai individuato nel mio disco una proposta  nuova e personale la cosa non può far altro che farmi un grande piacere e ti ringrazio davvero tanto. Da parte mia però, non riuscirei mai a  partire da delle  premesse programmatiche nella mia musica. Mettersi lì e dire: “Oh! adesso diamo una bella  scrollata a questo cantautorato italiano e facciamo un bel disco innovativo e difficile!” non è proprio da me; la vedo come una cosa un po’ rischiosa che potrebbe  condizionare  la creatività in fase di realizzazione dei pezzi.

Torniamo a domande più leggere. Come porterai in giro il disco dal vivo? Sarai da solo o ti farai accompagnare da qualcuno?
Sia in duo, con in più la batteria di Simone Brunzu (che suona sull’album)  sia da solo. Cerco di adattarmi a seconda delle situazioni.

Dopo Rinuncia all’Eredità cosa farai? Hai altri progetti in corso? Novità di cui ci vuoi parlare?
Ho già qualche pezzo pronto e parecchie idee a cui dare una forma più definita. Ma per il momento mi sto concentrando sul disco appena uscito e a portarlo in giro coi live.

Grazie per la chiacchierata, alla prossima!
Grazie a te per le domande Lorenzo, a presto!

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Nicola Manzan (Bologna Violenta)

Written by • 15 Aprile 2014• Interviste

Sta girando l’Italia in lungo e in largo per il tour legato al suo ultimo album. Si porta dietro un’esibizione live dal forte impatto emotivo. Dopo aver partecipato al concerto tenutosi a Torino, era inevitabile porsi delle domande su Uno Bianca. A domande fatte, Bologna Violenta (Nicola Manzan) risponde. Eccovi serviti.

Ciao Nicola, cominciamo dal principio. Com’è nata l’idea di Uno Bianca? Voglio dire, in Italia purtroppo si sono verificati un gran numero di fatti di cronaca nera. Come mai la scelta degli avvenimenti legati proprio ai fratelli Savi?
La scelta è ricaduta su questi fatti perchè si sono svolti in larga parte a Bologna e provincia (per quanto la banda abbia operato anche lungo la costa adriatica fino a Pesaro). Volevo fare un disco su Bologna, un po’ come era successo nel 2005 con il mio primo album. Lì era più una questione di istinto, di sensazioni trasformate in musica, filtrate attraverso l’immaginario dei film poliziotteschi degli anni Settanta (ma con sonorità moderne, ovviamente). Qui il lavoro è stato diverso, sentivo il bisogno di raccontare Bologna, ma volevo farlo partendo da una storia vera che secondo me ha sconvolto e cambiato sotto molti aspetti la città di Bologna e le persone che ci vivono.

Ti sei dovuto documentare molto per la realizzazione di questo album? Di che tipo di materiale ti sei servito per poter riscrivere in musica questa storia? Hai trovato difficoltà nel reperirlo?
Ho cominciato ad interessarmi a questa storia una decina di anni fa e quando mi sono messo al lavoro per scrivere e registrare il disco mi sono reso conto di avere parecchio materiale utile senza dover impazzire per reperire molte altre informazioni. Tengo anche a precisare che il mio intento è sempre stato, fin dall’inizio, quello di “sonorizzare” i peggiori crimini della banda, quindi la cosa fondamentale per me era capire come si erano svolti i fatti per poter poi creare una sorta di sceneggiatura che sarebbe diventata la struttura del pezzo. Quindi mi sono concentrato più che altro sulla ricerca di libri o documenti con fonti attendibili che raccontassero cos’era successo (o cosa si presume possa essere successo) e poco altro. Non mi è mai interessato affrontare tutte le questioni e le ipotesi riguardanti le azioni della banda (qui le teorie si sprecano), per me l’importante era mettere in musica dei momenti di follia e terrore.

Nelle tue esibizioni live di Uno Bianca la musica è accompagnata da immagini, scritte e video  essenziali, molto diversi da quelli che accompagnano le esibizioni dei tuoi precedenti pezzi. Una formula che aiuta a descrivere i fatti e a meglio comprendere la tragicità degli eventi, senza però far passare in secondo piano la musica. Più che un concerto i tuoi live sono una sorta di esperienza multisensoriale dal forte valore emotivo. Ci racconti com’è nata l’idea di un live di questo tipo?  
Devo innanzitutto dire che avrei voluto avere i visual anche per i tour precedenti, ma alla fine per un motivo o per un altro (a dire la verità sono tantissimi fattori messi insieme) non sono mai riuscito a mandare in porto questo aspetto dei live. Per questo disco, però, la questione “visual” non poteva essere ignorata. Non a caso anche nel disco si trova una guida all’ascolto in cui vengono raccontati i vari episodi, dando così la possibilità all’ascoltatore di poter capire cosa stia succedendo a livello musicale. Quindi ho deciso di creare un video per ogni pezzo del disco, ma non volevo fare dei videoclip veri e propri (anche perché le immagini di repertorio non sono comunque moltissime), mi interessava più che altro raccontare attraverso poche immagini, poche parole e alcuni simboli ricorrenti (come i flash degli spari e le croci). Se non ci fossero i visual penso che nessuno capirebbe cosa sto facendo durante i concerti, i pezzi sarebbero fini a se stessi e ci sarebbe addirittura il rischio che venissero ascoltati con le stesse “intenzioni” di quelli dei dischi precedenti, dandone una interpretazione grottesca e quindi sbagliata. I video della seconda parte del concerto (i cui suono appunto pezzi presi dai dischi precedenti) sono addirittura spesso più truci di quelli di Uno Bianca, ma tutto sommato vengono vissuti con più leggerezza dalla gente.

Uno Bianca è stato oggetto di critiche per una sbagliata interpretazione dei tuoi intenti; se ne è parlato molto sul web. Te l’aspettavi una cosa del genere? Cosa hai pensato quando hai letto l’articolo in questione su “Il Resto del Carlino”?
Ho pensato che a questo mondo non c’è proprio speranza… L’articolo (quello che ho condiviso su Facebook è solo uno dei tre usciti anche sul cartaceo) è stato scritto dopo essere stato un’ora al telefono con uno dei loro giornalisti a cui ho spiegato per filo e per segno tutto di me, del mio progetto e di quello che ho fatto nella vita, giusto per non lasciare delle zone d’ombra. Però niente da fare, evidentemente avevano già deciso tutto prima di contattarmi e nonostante io abbia mandato il disco alla redazione del giornale, è palese che l’articolo fosse in pratica tutto già scritto prima ancora di contattarmi. Come è palese che nessuno ha ascoltato gli mp3 che ho mandato. Questi articoli poi hanno sollevato degli strascichi di polemiche molto fastidiose, a dirla tutta. Io ho solo raccontato in musica una storia, ma evidentemente questa cosa non si può fare. Davvero non capisco.

Questa è una domanda personalissima, o forse no. Nelle tue produzioni musicali ti sei quasi totalmente discostato dal concetto di “canzone”. In Uno Bianca i testi sono quasi del tutto assenti. Tuttavia ho sempre avuto difficoltà a scollegare totalmente la tua musica dalle parole, perché non immagini la quantità di parole che viene fuori dalla mia penna dall’ascolto di Bologna Violenta. Come la mettiamo con questo aspetto della tua musica?
Eh… bella domanda… Penso che il tutto nasca dal fatto che sono cresciuto con la musica classica, soprattutto quella sinfonica e da camera (quindi molto poco cantata) e non sono mai stato molto legato ai testi delle canzoni. Mi sono sempre perso nell’ascolto dei suoni più che nel capire il significato dei testi. Quando devo fare musica mia non mi viene mai l’idea di metterci una voce o un testo per così dire “tradizionali”. Non amo cantare (e non riesco a ricordare i testi delle canzoni), ma mi piace mettere delle piccole parti parlate per dare un senso più compiuto a ciò che sto cercando di comunicare (vedi ad esempio “Morte” o “Maledetta del Demonio). Nell’ultimo disco ci sono poche parole, ma c’è la guida all’ascolto che è comunque una parte fondamentale dell’intero lavoro. Come dire, di testi ce ne sono, a volte sono poche parole, ma devo dire che spesso celano dei mondi molto più grandi di quello che può sembrare. Forse è semplicemente perché nella vita tendo ad essere logorroico, quindi nella mia musica cerco di essere sintetico.

Forse è troppo presto per parlare di bilanci, Uno Bianca è uscito da poco e tu sei a metà del Tour di promozione. In ogni caso, te la senti di dirci come sta andando? Si tratta di utopie o di piccole soddisfazioni?
Penso di poter tranquillamente parlare di grandi soddisfazioni. Il disco, pur nella sua complessità, piace molto alla gente e i concerti sono un momento molto forte, in cui il pubblico se ne sta in silenzio per quasi un’ora a guardare con attenzione e a subire la violenza che esce dall’impianto. Spesso a fine concerto scattano dei lunghi applausi a cui non sono davvero abituato e questo mi fa pensare di aver fatto un buon lavoro, che nonostante sia lontano da quello che la gente ascolta normalmente, riesce comunque ad arrivare al cuore di è presente al concerto.

C’è un’esibizione live che più ti ha emozionato finora o alla quale tieni particolarmente?
Questa è una domanda difficile… Ogni data è speciale per molti motivi e devo dire che questo tour mi sta portando anche in posti dove non avevo mai suonato, trovando un forte riscontro di pubblico anche nelle serate nei posti meno tradizionali. Le prime date, quelle all’interno del Woodworm Festival sono state molto impegnative da un punto di vista emotivo, almeno per me, visto che non sapevo assolutamente cosa avrebbe recepito il pubblico e se sarebbe piaciuto il nuovo spettacolo.

Rileggendo una tua intervista di un paio d’anni fa su Rockambula, ho sorriso di fronte alla tua risposta alla domanda “La tua paura più grande?” (Cito:  Ho paura che tutto possa cambiare da un momento all’altro e dover ripartire. Di nuovo (…) Vorrei un po’ di tranquillità). Sei riuscito a trovare la tranquillità che ti eri augurato qualche tempo fa?
Ricordo quell’intervista e ad oggi non mi sembra che le cose siano molto cambiate. C’è da dire che sto lavorando molto, quindi il periodo è assolutamente positivo, ma ho anche capito che quel tipo di tranquillità che ricercavo un paio di anni fa non è ancora così vicino come pensavo. Però molte cose sono cambiate nel frattempo, ho un’idea più chiara di chi sono e di cosa voglio e posso fare nella vita, quindi sono più tranquillo da questo punto di vista. Mi sono anche reso conto che le ripartenze fanno parte della mia vita (e penso anche di quella di molti), quindi ogni volta vado avanti senza pensare troppo al passato o a quello che è stato e cerco di dare il meglio ogni giorno.

Hai già nuovi programmi per il “post” Uno Bianca? Ci sono già dei progetti futuri in ballo?
Ho sempre molte idee che mi girano in testa, e sto anche pensando al “post” Uno Bianca, ovviamente. Attualmente sono impegnato su parecchi fronti, collaborando con vari artisti come arrangiatore, violinista o produttore, quindi tra il tour e questi vari lavori non ho molto tempo per pensare al futuro di Bologna Violenta, ma sto già cominciando a raccogliere materiale per quello che potrebbe essere il prossimo disco.

Grazie mille Nicola. Per concludere, c’è qualcosa che non ti ho chiesto, alla quale ti sarebbe piaciuto rispondere?
Grazie mille a te per lo spazio che mi hai concesso. Tengo solo a precisare che non uso synth e tastiere varie per ricreare il suono degli archi. Faccio delle lunghe session di registrazione in cui registro tutti gli strumenti. Giusto perché qualcuno parla di “tastiere” riferendosi agli archi…

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Inigo & Grigiolimpido

Written by • 1 Aprile 2014• Interviste

Dopo i problemi avuti con la rete per il loro video che è stato bloccato per cause ancora da chiarire ma ora tornato di nuovo on line, il nuovo singolo della band capitanata da Inigo Giancaspro vuole raccontare più che denunciare, la vita e la società italiana di tutti i giorni vista da due punti di vista totalmente opposti. Il popolo contro il potere. Ecco la nostra intervista agli Inigo & Grigiolimpido:

“Baci Alla Repubblica”. Troviamo un nesso che vuole essere di critica e di denuncia. Addio alla Repubblica che fino ad ora ci ha delusi? Oppure sono baci di affetto e di speranza?
“Baci alla Repubblica” è una canzone che descrive, racconta, ma non giudica, pertanto i baci sono rivolti a tutti, belli e brutti, basta solo saperli riconoscere e il nostro pubblico a tal proposito è abbastanza sveglio.

La notizia di questa “censura” ha fatto molto parlare. Prima oltre 30 mila visualizzazioni e poi misteriosamente scomparsi da YouTube. Ora di nuovo on line. Come mai secondo voi?
Ce ne siamo preoccupati per poco tempo, ipotizzando una censura cautelativa per alcune scene. Ad esempio ho appreso da questo episodio che su youtube non si possono caricare video con scene di uso di stupefacenti, questo potrebbe essere un motivo. Ad ogni modo una volta che il video è tornato online, abbiamo dismesso impermeabile e lente d’ingrandimento.

Inigo & Grigiolimpido2

L’informazione libera: chimera o in realtà è un filtro contro tante cattive notizie?
Ogni medaglia ha il suo rovescio. Hai presente quando metti una mano sul ghiaccio e dopo un po’ ti senti bruciare? Ecco per l’informazione oggi succede più o meno la stessa cosa. Auspichiamo un’informazione libera, vera, non strumentalizzata e questo è sacrosanto, ma l’esasperazione di questo concetto porta all’esatto contrario. Tutti si sentono improvvisamente giornalisti, politici, tecnici, economisti, critici musicali e cinematografici, etc. Questo crea un livellamento verso il basso dell’informazione stessa. Quindi, informazione libera va bene, ma libera di dire cazzate… non saprei.

Questo nuovo disco degli Inigo & Grigiolimpido racconta dei ragazzi di oggi e della vita in un’Italia che piace sempre di meno. Vi sentiti dei “moralizzatori” o dei semplici osservatori?
Moralizzatori lo escluderei a priori, è difficile provare ad esserlo con se stessi, figuriamoci col mondo intero. Osservatori va decisamente meglio, scrivendo personalmente i testi delle nostre canzoni è giusto e naturale che io prenda tutto ciò che posso dal mondo che mi gira intorno, cerco di fare delle fotografie, se poi non c’è il sole sullo sfondo, però, non le ritocco con photoshop.

A giochi fatti, cosa cambiereste di questo disco?
Il budget a disposizione per la produzione e per la promozione. A parte quello, nient’altro in senso assoluto. Ogni disco è figlio di un momento storico di una band o di un cantautore e non è che siccome in un certo momento va di moda altro bisogna adattarsi come pecore. Quando e se un giorno andrà di moda il nostro modo di fare musica saremo stati dei precursori e chissà magari sarà quello il momento giusto per iniziare a fare altro.

E dopo Controindicanzoni? Regalate agli amici di Rockambula qualche indiscrezione…
Un nuovo singolo in uscita prima dell’estate. E poi testa bassa e pedalare verso nuovi orizzonti.

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