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Esclà – Salta il tappo

Written by • 21 Dicembre 2011• Recensioni

Okkio, il nome della band e relativa cover album potrebbero depistare  di non poco, perché verrebbe da pensare che  il tutto sia una stravaganza giocosa di cose messe in musica demenziali e per tormentoni tardo (issimi) estivi da piazzare da qualche parte; invece “Salta il tappo” del quartetto bolognese degli Esclà sorprende perché il suo cantautorato d’insieme fatto di giochi pop-folk striati di rock, fa pensare, riflettere e stare con i piedi in terra senza rinunciare a quattro bei salti di goduria folk nostrana.

Tredici percorsi atletici che infondono calore e forza motrice, tredici tracce ritmate, vive di sensazioni e coraggio che attraversano l’ascolto come un arcobaleno lasciandoti in dote – nel fondo dell’animo –  il senso di soddisfazione di aver ascoltato qualcosa, più di qualcosa, d’intelligente e vero.

Sincerità radiofonica, caratteristiche multi-matrice e quella bella semplicità declamatoria che ne fa un prodotto assimilabile immediatamente, una definizione sonica marcata d’autore che si fa notare specie nelle liriche e nelle ibridazioni che hanno un’inizio e mai una fine; se da stereo il disco da la voglia matta di dimenarsi a sfinimento, figuriamoci il quartetto complice su prestazioni live quello che potrebbero combinare e scatenare a loud al massimo, l’inimmaginabile, pogo e libertà di slogamento a go-go, anche per quel filo teso di nascosto che riporta virtuosismi alla Pogues e affini “Alfredo”, “Spazzanoia”, o per le contemporaneità  di rimbalzo rock-rap  “Io le odio le band emergenti” che non perdonano i momenti di stallo fisico.

Una band che brilla di suo e un vocalist che fa grandi numeri espressivi, teatralità e suggestioni a tutta voce che disegnano ballate sarcastiche “Salta il tappo”, smuovono spennate acustiche che si dondolano in due voci prima di accendersi d’elettrico “Voglio prendere in giro”, scandiscono il movimento di fianchi di un blues canaglia “Il sole a scacchi”  e finiscono in quei quattro minuti e quarantotto di magnificenza, di lusso d’ascolto della ghost track che segna numero quattordici della tracklist, un Guignolesco atto declamatorio di poesia che sanguina bellezza.

Eccellente come un vino d’alta genealogia, come dire…Esclà (mativo) senza riserve!

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Amycanbe – Mountain Whales

Written by • 21 Dicembre 2011• Recensioni

Tutto improvvisamente prende un sapore dolciastro nonostante le vuote giornate spese a fare niente. Gli Amycanbe suonano freddi in una macchina immobilizzata dal gelo dell’inverno appena iniziato, il nuovo disco “Mountain Whales” impreziosisce la fama di questa omogenea band. La voce persuasiva scava incavi profondi fin dove le nostre braccia deboli non possono arrivare schiacciando tutte quelle incomprensioni con le quali siamo costretti quotidianamente a fare i dovuti conti. Tutto sembra essere semplice, spaziare con la fantasia per sentirsi liberi di trasportare la mente dove meglio si crede. Ma comunque freddo polare. L’occhio tagliato di Bjiork e il sound decisamente nord europeo ambientano il tutto in altre storie lontane dal nostro medio sedersi sulle situazioni, boschi innevati e la paura di perdersi per sempre. Il sogno si rende elemento chiave dell’intero lavoro elettro sentimentale che raccoglie maturo l’eredità pesante del precedente disco “The World is Round”, un tripudio di esaltazioni sperimentali arrangiate come la tradizione insegna e forse anche in maniera superlativa.
Niente può essere meglio degli Amycanbe, roba italiana doc da tenere sotto stretta presa per non perdere quello che di meglio possiamo esportare all’estero con petto rigonfio di fierezza e orgoglio nazionale. “Mountain Whales” riamane comodamente piazzato in quel sottile confine che distingue il sogno dalla realtà regalando a chiunque ne voglia una pura sensazione di piacere. Una band ormai affermata che non deve dimostrare il proprio valore a nessuno. Anche questa volta micidiali.

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Rhumornero – Il Cimitero dei Semplici

Written by • 19 Dicembre 2011• Recensioni

Arriva il secondo album per i Rhumornero, arriva per ficcarsi senza dolore sotto la nostra lucida pelle, arriva arrembante “Il Cimitero dei Semplici”.
Di questo progetto nato dalle ceneri ancora calde di musicisti attivissimi nel panorama musicale italiano se n’è parlato molto durante i dovuti tempi quindi non hanno bisogno di tante noiose presentazioni. E questo giá rende il nostro animo più leggero. Il disco spinge rock puro dai primi secondi, man mano che il sound cresce iniziano a sentirsi sfumature delicate macchiate da altre influenze musicali accennate in maniera soffice senza pesare troppo su un lavoro vario ma allo stesso tempo lineare e personale. Un concept molto personal rock con la nutrita presenza di chitarre nervose negli spunti, la voce racconta ira accarezzando la dolcezza, il tepore scalda pensieri inequivocabili.
I Rhumornero sono tecnicamente organizzati e disinvolti, questo rende molto più facile mettere insieme un buon disco rock, niente che non possa essere collocato con precisione nello scaffale, indipendenza totale di stampo alternativ rock. Qualcuno suonerà alla vostra porta in cerca di spiegazioni che non riuscirete a dare, mai. Certo, parliamo di un album fittizio dal punto di vista estetico ma che non tralascia affatto la propria interiorità spingendosi ovunque sia possibile farlo con testi che lasciano da parte la banalità, undici canzoni per tutte le orecchie.
“Il Cimitero dei Semplici” sembra essere quel posto immaginario dove potersi sentire a proprio agio protetti da quell’insoddisfazione della vita quotidiana, i Rhumornero spezzano il confine commerciale del rock italiano registrando un disco decisamente onesto sotto ogni punto di vista.

  • Genere: rock
  • Etichetta: autoproduzione/Venus
  • Voto: 3.5/5
  • Data di uscita: 19 Dicembre 2011

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Prof.Plum – I Germi della Rivolta

Written by • 16 Dicembre 2011• Recensioni

Cantori della catastrofe post-industriale ne circolano a frotte ormai da un trentennio: quanto è facile cadere nel cliché dell’asfissia metropolitana; quanto è già stato scritto e musicato. Vale la pena continuare a battere sentieri tanto largamente sfruttati? Il Prof. Plum non si esime dal farlo, senza abusarne.
Il Prof. Plum non è uno dei personaggi indagati per omicidio e per gioco in Cluedo, ma un collettivo di tre giovani innocenti della provincia comasca sinceramente incazzati dello status quo. In tempi in cui le pose di sterile radicalismo chic vanno tanto per la maggiore, è quantomeno degno di nota il fatto di riuscire a cantare il disagio con rabbia credibile.

Orgogliosamente autoprodotto, l’EP omonimo di Prof. Plum è un disco viscerale, primordiale, urlato con energia grezza. Spegnimi, il primo brano, riflette senza mezzi termini sui mali dell’iniquità e la frustrazione da essa derivati («la gente che ha idee migliori/ è quella che poi si taglia le vene»). Sonorità alla Verdena e qualche scivolone naif nelle liriche («mordi quel labbro con rabbia isterica/ finché poi sanguinerà»), è forse questo il brano meno incisivo del lavoro, che prosegue strutturandosi maggiormente con Uomini che cadono. Sullo sfondo rovinoso di pompieri ex-incendiari arresi per convenienza («ti ricordi di quelli che già vincevano?/ Ora sono grandi e ci sorridono/ c’era chi voleva fare la rivoluzione/ sognava barricate, ora aspetta la pensione»), il Prof. Plum rende gloria alla coerenza dei veri vincitori, che restano in gioco fino alla fine col rischio sensibile di perdere: «continuerò a modo mio/ io che amo anche gli uomini che cadono/ se non altro perché sono quelli che attraversano».

Il momento più interessante dell’EP giunge senz’altro a 7 dì, 7 che, dopo un attacco molto – troppo? – vicino a quelli di Scoff e Breed dei Nirvana, prosegue con liriche dense e martellanti, sui toni del sarcasmo più crudo che smaschera senza mezze misure il giornalismo malato e sensazionalista di regime: «Settimana degli stupri, cosa fate così agghindate? /Cosa sono quei calzoni anti-aderenti?/ Suvvia, lasciate che la notizia venga a me! /Suvvia, anche i fronzoli, ché al ricamo ci penso io». “Cani-azzanna-uomo” al guinzaglio dei potenti, cinismo da prima pagina a coprire i delitti di chi ha abbastanza grana per manipolare penne fedelissime e accondiscendenti. Questo è il quadro squallidissimo, illustrato senza fare sconti e rigettato con disgusto in un crescendo finale di rivolta lucidissima: «[…] finché la poltiglia si mescola al nero con sciami di mosche a giurare il vero/ questo è il tuo nulla, io mi dimetto! Attacca cane!».

Il più bello dei mondi e Le città chiudono la parabola dell’EP, riflettendo sulla lobotomia omologatrice imposta da “l’andazzo generale” di memoria Ferrettiana, da quella “forma sublime mamma” che “nutre protegge impera”, Cosa nostra, e causa nostra silentemente abbracciata per consuetudine. I Marta sui Tubi di Muscoli e dei, e poi Vasco Brondi con le sue luci fredde sul paesaggio – ma soltanto di scorcio. In primo piano sta piuttosto l’ammutinamento. Prof. Plum è ancora sul piano dell’esperimento, del work in progress germinale. C’è materia pregiata su cui lavorare, un granito cristallino e ruvido su cui intervenire con cautela per non snaturarne il vigore.

  • Genere: Punk/Elettrico
  • Etichetta: Autoproduzione
  • Voto: 4/5
  • Data di uscita: 16 Dicembre 2011

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Chaos Physique – 1975

Written by • 16 Dicembre 2011• Recensioni

Amaury Cambuzat (Faust, Ulan Bator), Pier Mecca (F.I.U.B.) e Diego Vinciarelli (Sexy Rexy), sono nomi che chi segue le vicende psich-kraut di casa nostra – singole e come qui sotto il moniker Chaos Physique – conosce bene come le tasche proprie, ed ora questi deux machine tornano con il nuovo disco “1975”, un registrato che sa d’antico come le registrazioni in presa diretta e che come di ruolo porta con sé il dualismo attrattivo e respingente nel primo ascolto, poi già al secondo tutti gli ipnotismi e levitazioni space mischiate alle sperimentazioni semantiche del Kraut, prendono il sopravvento nel sottopelle ed il consequenziale e straniante stato vigile-delirante è assicurato.

Come suona 1975? Come la parte notevole del fascino, come una summa in cui coesiste tutto ciò per cui Cambuzat & Soci sono diventati fari celebrati del genere: i ritmi ossessivi e reiterati che anticiparono posture techno, le algebreidi e le angolazioni a gomito di un dubbing pesto e pestante, i radenti cosmici e il tocco minimalista colto ed al cubo fanno di queste nove tracce una modernità assoluta e per nulla passatista, tracce che continuano nell’originale ricerca di ibridare il sogno con il collasso dei sensi.
Vicino all’ora d’ascolto, 1975 è magma e pulsione darkoide, veemenza e crepuscolo fondo, un climax debordante dove noise e visionarietà sono sorretti da una serratissima volontà di portare al centro focale dell’orecchio la metronomica espressività dell’allucinazione; l’alterato tribal che fluidifica “Captain Bloom”, l’immancabile “motosega” della guest Jean Herve Peron (Faust) che fa a pezzi l’atmosfera astrale di “Chainsaw beauty”, lo skizzo mestruale che satura l’ossessione di “Analphabet city” o la straordinarietà primitiva che percuote “Bunga –Bunga” mettono in moto una costruzione travolgente, una verifica emozionale che non ha paragoni e che fa tag-line tra reale ed irreale di una cifra stilistica immensa.

I Chaos Psysique, ancora una volta, si confermano l’amaro calice del tormento dal quale tutti vogliamo ubriacarci in maniera smodata, in maniera totale.

  • Genere: Post-rock noise
  • Etichetta: Jestrai/Acid Cobra
  • Voto: 4/5
  • Data di uscita: 16 Dicembre 2011

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Captain Mantell-Groung Lift

Written by • 16 Dicembre 2011• Recensioni

Terzo capitolo della saga spaziale per i Captain Mantell. dopo “Long way Pursuit” (2007) e “Rest in Space” (2010), arriva “Ground Lift”, personale ed immaginaria interpretazione dell’ultimo ma reale volo del capitano Thomas Mantell, unico caso di un pilota morto all’inseguimento di Ufo nel 1948; vi chiederete il perché di questa scelta!? Bene, diciamo che vista la quasi omonimia con il leader del gruppo, Tommaso Mantelli appunto, la scelta è parsa quasi d’obbligo!!
Nel caso in cui qualcuno di voi, numerosi e affezionati lettori, ancora non li conoscesse, ve li presento subito : trio veneto formato dal sopracitato Tommaso Mantelli (voce,basso,chitarra,synth) alis Captain Mantell, noto ai più come bassista del Teatro degli orrori nel tour “A sangue freddo” (ma questa è tutta un’altra storia e anche voi, dopo aver ascoltato questo disco, potrete dire oltre al Tdo C’E’ DI PIU’!!!), Nicola Lucchese (drum machine,synth,voce) alias Dottor Ciste e Omero Vanin (batteria,synth,voce) alis Sergente Roma .
Negl’anni i nostri capitani hanno avuto le loro soddisfazioni partecipando a vari ed importanti Festival come l’Heineken Jamming (main stage), il Neapolis , il Venice Industries ,il Mei , dividendo il palco con gruppi come Chemical Brother e Klaxons ed ultimo ma solo in ordine temporale, il Sonisphere Festival approdato in Italia quest’anno per la prima volta, con una line up con nomi del calibro di Iron Maiden, Motorhead e Slpiknot ,solo per citarne alcuni.
Bene, ma adesso dopo quest’ ampia presentazione, passiamo all’oggetto del nostro interesse, il disco(!) tredici tracce esplosive che accompagnano, dopo essersi persi nello spazio alla ricerca di oggetti non identificati, “il ritorno e la riscoperta” dei nostri musicisti-astronauti sul pianeta Terra, con pezzi come “Before we Perish“ nonché primo singolo estratto ,che altro non è che un ultimo messaggio di SOS prima dello schianto, ben concretizzato nel relativo video realizzato da Eeviac, o l’attualissima “Mr.B.” forse la canzone più sporca e graffiante di tutto l’album dal basso aggressivo;
Secondo singolo estratto è “Yesterday”( like the Beatles say) con tanto di video dall’aria “ So 60’s “ ambientato in un piccolo club stile newyorkese.. ,ma perché non citare anche l’emblematica “My Personal End of the world” o l’evocativa “Foresteria(Venice-Istanbul) “ ,unico pezzo interamente strumentale denso di synth, suoni e richiami tipici dei Captain Mantell , come del resto lo è anche l’utilizzo della lingua inglese ,che se non bastasse dal solo il sound , dà un quel tocco che caratterizza la loro indiscutibile internazionalità.
In conclusione, se amate la stridulità e le distorsioni dell’elettronica sporcate con sonorità punk caratterizzate da giri di basso a regola d’arte, non potrete non amare questo disco!

  • Genere: Elettro/ SpacePunk
  • Etichetta: Irma Records / Hypotron
  • Voto: 5/5
  • Data di uscita: 16 Dicembre 2011

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Amy Winehouse – Lioness: hidden treasures

Written by • 14 Dicembre 2011• Recensioni

Pur di rimpinguare le asfittiche quadrature dei bilanci della discografia mondiale, non dobbiamo sorprenderci oramai se fanno cantare come sempre meno i vivi e sempre più i morti pur di registrare dischi, lo hanno fatto e lo fanno anche con la sfortunata cantante della Camden Town di Londra, la grande Amy Winehouse, e “Lioness: hidden treasures” ovvero Leonessa: i tesori nascosti “postumi” del mito, nemmeno farlo apposta, arrivano puntuali sugli scaffali di mezzo mondo, ed è un disco che contiene canzoni finite e provini lasciati in archivio che si spalmano in un tempaggio che va molto prima del debutto dell’artista con “Frank” e pezzi che dovevano far parte del terzo album purtroppo rimasto in aria.

Salaam Remi e Mark Ronson – i producers della cantante – hanno lavorato di fitto sugli undici files di Amy pur di resuscitare la divina voce del soul contemporaneo, e l’impresa pare riuscita nella parte artistica ma su quella umana è un discutere continuo da parte della critica e del mondo vicino all’artista, ma la resa delle registrazioni fanno passare in secondo piano il corrugamento dei pensieri e vola talmente in alto che ci si può inginocchiare estasiati senza parole in bocca, senza nulla da dire e da aggiungere.
Il disco, appena prende il suo avvio subliminale, stordisce come pochi, un floreale vortice soul, pop, slow-jazz, blues cattura tutto e tutti, con lussuria e conturbanti vocalizzi che solo questa “divina” sapeva lanciare tra stomaco e cervello di chi sapeva ascoltare con mestiere; procedendo a random si apre “Body and soul” incisa con il crooner Tony Bennet, si vola “Our day will come” rivisitazione reggaeggiante del classico doo-woop ’60 di Ruby & The Romantics o ci si incanta con la rilettura della delizia di “The girl from Ipanema” brano originale un altro mito quale Antonio Carlos Jobim; uno stato di grazia inarrestabile anche contenuto nel repertorio 2006 “Wake up alone”, l’up-tempo che contorna “Tears dry on their own” e di seguito le versioni customerizzate di “Valerie” degli Zutones e “Will you still love me tomorrow?” di Carole King.

Con una copertina che riporta la bellezza inaudita della Winehouse, sembra essere un sogno dispettoso che lei non ci sia più, che non potremmo più godere dei suoi abbandoni tra le note sfocate, jazzly e smoothing che la sua ugola sapeva addomesticare come una musa indefinita sa fare; e mentre scorrono gli anni cinquanta di “Between the cheats”, “Like smoke” duettata con il rapper Nas e la stupenda “A song for you” di Leon Russel che Amy aveva omaggiato a Donny Hathaway, artista sfortunato come lei, gli occhi si fanno liquidi e l’orecchio l’astanteria di un sogno in musica da conservare per sempre, come un amuleto di libidine artistica maxima.

  • Genere: pop soul
  • Etichetta: Island
  • Voto: 5/5
  • Link: http://www.amywinehouse.com
  • Data di uscita: 14 Dicembre 2011

Max Sannella

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Legittimo Brigantaggio – Liberamente Tratto

Written by • 14 Dicembre 2011• Recensioni

“Lo stato italiano è stato una dittatura feroce che ha messo a ferro e fuoco l’Italia meridionale e le isole, squartando, fucilando, seppellendo vivi i contadini poveri che scrittori salariati tentarono d’infamare col marchio di briganti.” A. Gramsci
Prima di parlarvi di quest’album cosi ambizioso e complesso (vedremo a breve se lo si possa effettivamente considerare tale e perché), una promessa è doverosa. La musica dei Legittimo Brigantaggio è quanto di più distante esista dalla mia idea di musica. Funzione sociale prima che arte pura, astratta, emozionale. Musica oggettiva, anti individualista, per cui il fruitore è solo un mezzo di trasporto del messaggio non molto nascosto tra le parole, nella voce, che diventa l’elemento primario lasciando alla parte strumentale solo un ruolo gregario. Questa premessa ha uno scopo ben preciso. Gran parte delle mie considerazioni, vengono proprio dallo scontro di queste diverse concezioni e quindi, il fatto che possiate apprezzare o no “Liberamente Tratto” sarà dovuto soprattutto al vostro modo di considerare la musica, più che alla qualità pura di ciò che ascolterete. Baudelaire affermava che “L’arte è la creazione di una magia suggestiva che accoglie insieme l’oggetto e il soggetto”. Ingabbiare la musica nella sua funzione sociale può distruggere quella magia. La musica smette di essere arte e diventa altro oppure niente. Prima di leggere e ascoltare, fatevi questa domanda. Che cosa è per voi la musica, quale il suo scopo?

I Legittimo Brigantaggio sono Gaetano Lestingi (vocals, acoustic guitar, electric guitar), Davide “Zazzi” Rossi (accordion), Pino Lestingi (electric guitar), Domenico Cicala (bass), Gianluca Agostini (electric piano, synthesizer) e Gianfranco Vozza (drums, percussion). Nascono a Priverno, nel Lazio, nel 2002 e il primo lavoro è l’Ep “Quando le lancette danzeranno all’incontrario”, uscito l’anno seguente. Dopo tre anni e tanti live, nasce “Senza troppi preamboli…”, primo album della band, al quale partecipano tante voci celebri del panorama Folk italico, tra i quali Billi e Fiori de I Ratti della Sabina. Nel 2009 esce il secondo album, “Il cielo degli esclusi”, che ripresenta la formula della collaborazione con nomi ancora più di calibro. Modena City Ramblers e soprattutto Yo Yo Mundi, i quali rappresentano la band di riferimento dei briganti laziali.
Nel 2011 ecco a noi “Liberamente Tratto”, concept album sul tema dell’abitudine (strano visto che il sound è quanto di più abituale esista nel mondo folk italiano) nel quale ogni brano prende spunto da un’opera d’arte, romanzo, poesia, quadro, da Saramago a Pasolini, il tutto avvolto in un voluminoso e accecante mantello rosso. Affascinante, vero? Come rendere in musica le emozioni della penna, della macchina fotografica, del pennello? Come riusciranno a trasmettere quelle sensazioni tipiche della lettura, delle intermittenze della morte o del tempo di uccidere? Semplice. Non ci riescono. Al massimo, e questo sarebbe sicuramente un ottimo risultato, riusciranno ad incuriosire con qualche frase, a mettere voglia di leggere un autore o di appassionarsi ad un testo o una rappresentazione. Ma io stesso ci credo poco, perché i riferimenti non sono cosi immediati come si potrebbe credere e la musica non riesce a generare le diverse atmosfere necessarie a rendere al meglio le opere musicate.

Da un punto di vista strumentale, siamo disperatamente incollati al classico Folk dei già citati Modena City Ramblers e Yo Yo Mundi. In alcuni passaggi, soprattutto sotto l’aspetto vocale, c’è una certa similitudine col Cesare Basile più popolare e alcuni accenni allo Ska balbettano troppo deboli per essere considerati caratteristici del suono dei Legittimo Brigantaggio. Le melodie non sono ricercatissime, né molto orecchiabili, esclusi un paio di pezzi, e alla lunga l’ascolto può essere pesante e noioso. L’aggiunta dell’elettronica, del synth e del pianoforte elettrico, non serve a salvare la musica dalla marea di banalità nella quale affonda ed è cosi nascosta nell’ ombra del folklore italico da suonare impercettibile mancando un’attenzione maniacale e minuziosa. La musica in sé, voce esclusa, è dunque la parte meno importante dell’opera, cosa evidentemente intuibile già da come il disco si presenta. Non riesce quasi mai a trasportarci veramente, non trasmette la carica e la rabbia necessaria, è poco elaborata e strutturata (questo non sappiamo quanto volutamente, nella possibile necessità di non mettere nel lato oscuro la parte più particolare dell’ opera) e finisce col riproporre meccanicamente una formula ormai logora abbandonata in un affannosa ritirata nella fortezza di Nyen distrutta sotto i colpi della rossa monotonia sinistroide. Senza bisogno di aggiungere altre parole, avrete capito che tipo di sound vi aspetta e avrete capito che non saranno le chitarre o la batteria a spingervi ad ascoltare l’album (so che è una cosa orrenda da dire quando si recensisce un disco). Veniamo dunque alla parte più interessante, l’ elemento che forse spingerà i più temerari compagni ad ascoltare e parlare del disco. Anche se il timbro vocale risulta poco incisivo, in alcuni punti quasi in crisi d’ ossigeno, isolata dal fuoco della musica popolare e dal muro della rigida scelta testuale, è proprio nel canto o meglio nelle parole che potreste trovare un qualche giovamento.
Abbiamo detto che ogni brano è liberamente tratto da un’opera d’arte. Vediamo nello specifico quali collegamenti ci sono tra canzoni e artisti e quali temi sono trattati di volta in volta. Ripeto che lascerò da parte l’aspetto musicale perché totalmente inutile e ripetitivo e non ritengo neanche necessario soffermarsi in maniera puntigliosa sulle opere, visto che del disco parliamo e non di letteratura o pittura:
“Uscita operai”. Visione del dipinto “il Quarto Stato” di Giuseppe Pellizza e trattante il tema del lavoro e del mercato.
“La lettera viola”. Romanzo “Le Intermittenze della Morte” del portoghese Saramago, già autore del bellissimo “Il Vangelo Secondo Gesù Cristo”. Il tema è la morte, la sua assenza, il suo desiderio.
“Il diavolo nella camera oscura”. Eliografia “View from the Window at Le Gras” di J. N. Niépce. Parla dell’invenzione della fotografia e della difficoltà dei benpensanti ad accettare la novità.
“I cieli non sono umani”. Romanzo “Una Solitudine Troppo Rumorosa” di Bohumil Hrabal. Praga, seconda guerra mondiale. Un boia di libri redento e un amore che sparisce nel fuoco.
“Il dado è tratto”. Film “I Quattrocento Colpi” di François Truffat. Accusa alle nuove forme di pedagogia.
“Eucalyptus”. Romanzo “Canale Mussolini” di Antonio Pennacchi dedicata alla cittadina laziale Latina.
“L’Attimo Ideale”. Romanzo “Niente di Nuovo sul Fronte Occidentale” di Erich Maria Remarque. Paura dell’atomica, accusa all’opprimente occidente.
“Ruvido”. Saggio “L’Ospite Inquietante” di Umberto Galimberti. Nichilismo e gioventù.
“Affari di famiglia”. Poesia “La Guinea” di Pier Paolo Pasolini. Speranza contro la caduta dei potenti governanti italiani.
“Tempo di uccidere”. Romanzo “Tempo di Uccidere” di Ennio Flaiano. Guerra d’Etiopia, amore, morte, rimorsi e paura.

Ora avrete tante domande tra le tempie. Non è che questa formula è più semplice di quello che la stessa vuole farci credere? Non è che scrivere basandosi su testi o altro di grandi artisti crea una sorta di obbligo morale nella testa di ipotetici pseudointellettualigiovanidisinistra per cui “deve necessariamente piacermi, non posso sembrare ignorante o fascista”? E poi, il musicista non dovrebbe essere artista prima che divulgatore di opere d’arte altrui? Che cosa è la musica, quale il suo scopo? Dov’è la magia, in questo disco, dov’è la musica? Cari Briganti, non è che mi state fregando?

  • Genere: folk rock
  • Etichetta: Cinico Disincanto
  • Voto: 2.5/5
  • Data di uscita: 14 Dicembre 2011
  • Link: http://www.legittimobrigantaggio.com

Silvio Don Pizzica

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Lucy Van Pelt – L’instabile

Written by • 12 Dicembre 2011• Recensioni

“L’instabile” è la forza motrice discografica della formazione umbra dei Lucy van Pelt, un disco di trentatré minuti e trentatré secondi d’inarrestabile poesia, corrente elettrica e pensieri accavallati, un dieci tracce che elegge la perfetta sintesi dei tempi che si corrono a suo simbolo ed un bel trascinamento contagioso verso gli anni rock dei novanta italiani, della consapevolezza ed esigenza di smanettare dentro l’indie e quella viscerale esuberanza dell’opera prima che già al primo giro di giostra minaccia di prendersi più di uno spazio nell’underground di casa nostra e non solo.

Federico Minciarelli batteria, Francesco Tartacca voce e acustica, Matteo Rufini basso e Matteo Tiecco alla chitarra, questo il power della band che non avanza mai sporcato e sconosciuto dentro il cosmo rock, ma cerca di interpretarne una possibile nuova via e riesce a catturare l’attenzione per la “performance a concept” sulla quale alterna poesia melodica ed ispessimenti distorti, Il Santo Niente “L’invidia”e Soul Asylum “L’uomo italiano medio non ha senso”; brani compatti ed energia vitaminica si confrontano con momenti di lusso acustico cantautorale “Tra l’oggi e il domani”, la magnifica sensazione  psichedelica del minuto e quarantanove secondi di “MAV” che ti afferra per la collottola dell’anima e ti trasferisce tra le spire vorticose di “Senza di te” non prima di averti schiaffeggiato di grazia con la Vedderiana “Le tue risposte”.

Un esordio, questo che gela il sangue, splendifero nei dettagli, “umano” nelle parole, un atto d’amore sincero per la vera e bella musica, una scelta questa della band di suonare armonie e non solo pigiate di pedaliere; ora con una band così in giro crediamo che le cose potrebbero cambiare sotto la lente d’ingrandimento della ricerca di novità da mettere sotto il lettore stereo, e Lucy van Pelt – con o senza il parere favorevole di un Charlie Brown imbronciato –  tira avanti col vento in poppa.

Entusiasmante spirito ribelle “Instabile”.

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Jerrinez – Io Sono Stato

Written by • 12 Dicembre 2011• Recensioni

Rimanere alternativi per forza, per stile di vita. Anche quando tutto intorno ti si uniforma, l’universo che ti avvolge cerca di modellarti, ma tu mostri a lui solo il tuo scudo di ferro battuto. Ormai lo scudo è tutto ammaccato, ma questo ti rende ancora più forte e più grato.

E così dopo più di 10 anni di palchi e sudore, ti presenti ancora con quel suono che sa di marcio e quella voce che grida di indifferenza e di degrado, pronta a sputare nel prossimo umido microfono del centro sociale di periferia. Così fanno ancora i Jerrinez, da Milano.

Il loro ultimo album “Io sono stato” riflette una sbiadita ombra di CCCP e (se vogliamo essere più cool) di Teatro degli Orrori con quel pizzico di noise-by-USA che tanto andava di moda ben più di 10 anni fa (forse gli anni sono anche più di 20 se vi dico Sonic Youth). Ma qui ora tutto è fermo, intrappolato in quei ritmi pseudo hardcore, in feedback ossessivi e nella definitiva distruzione della melodia. E la band rimane intrappolata in una registrazione che sembra appositamente marcia, poco incisiva, fuori dal contesto e stridula.

L’uso della parola salva parzialmente la situazione, la storia che non ci insenga rimane in primo piano nella bocca isterica di Bobo Boniardi, che sputa frenetiche sentenze senza troppi peli sulla lingua: “cambiano le stanze, le vittime e i carnefici, rimangono vecchi sogni su cuscini poco soffici”. La “storia” è dunque ben argomentata in vari episodi, il più riuscito rimane “Gaetano”, dove ci viene presentato il punto di vista di Gaetano Bresci, carnefice di re Umberto I.

Il titolo del disco sembra dunque proprio azzeccato, il passato è qui dentro, con tutto il suo fardello. Ma il piccolo microcosmo che si difende con il suo onesto scudo sembra proprio essere stato inglobato e ormai ignorato dal gigantesco universo che lo sovrasta.

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Amelie Tritesse – Cazzo ne sapete voi del Rock and Roll

Written by • 12 Dicembre 2011• Recensioni

“Cazzo ne sapete voi del Rock and Roll” è il cd libro degli irreverenti spacca pensieri Amelie Tritesse, una carica bastarda di read’n’rocking in presa elettro diretta. Un disco di dieci pezzi accompagnati da un libro di racconti quotidiani di 64 pagine, testi ed illustrazioni.

Una cosa fregna. Poi il gioco musicale intrapreso tra brani recitati come qualche affermata situazione italiana insegna e pezzi in inglese di genuino rock and roll rendono questo lavoro interessante e propositivo per un ascoltatore che non cade mai nella solitudine della monotonia, rimanendo sempre attento alle circostanze. Molto Abruzzo nel complesso, la loro terra stanca di rimanere sempre al palo rinchiusa e tartassata da (in)fondati pregiudizi, l’orgoglio viene prepotentemente fuori, le palle ci sono e come.

Sensazioni bellissime in “Una ballata per Jeffrey Lee”, già ero cascato in queste sensazioni con il Circo Fantasma e non mi stancherò mai di farlo, un pianoforte struggente viaggia leggero ad accompagnare una calda voce dalle movenze interpretative di chiaro spessore.
Poi la title track “Cazzo ne sapete voi del Rock and Roll” arrovella cattivi pensieri nella testa presa da un tiro profondo di spino, qualcuno aveva già provato queste “cattive abitudini” portandone fuori consensi di nicchia. Io non ho mai capito un cazzo del rock and roll. Giuro.
Un opera prima per questi ragazzi dagli alti canoni artistici da considerare con lode, difficilmente collocabili in questo caos musicale indipendente italiano, una fresca realtà che cerca di differenziarsi dalla massa usando egregiamente tutte le armi del proprio arsenale artistico.

Un folk rock con puntine di sporca elettronica da maneggiare sempre e comunque fregandosene dell’estrema cura, gli Amelie Tritesse vogliono apparire essenzialmente per quello che sono senza inganno. “Cazzo ne sapete voi del Rock and Roll” prepara la musica verso un’altra rotta tutta ancora da esplorare, un ottimo inizio. Col botto.

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Aldrin – Bene

Written by • 11 Dicembre 2011• Recensioni

Quante palle ci vogliono per suonare Post Rock in Italia nel 2011? In Italia, pensateci, il regno della canzone d’autore, dei testi impegnati, del pop da suoneria, del rock da bimbominchia.

In Italia, dove per vendere dischi, devi fare il coglione da Maria o essere giudicato da Simona Ventura, nota esperta del settore.

In Italia, dove chiedere, anche in tanti locali underground (che poi che cazzo di termine), di suonare dal vivo pezzi propri per un gruppo emergente significa prendersi una bella risata in faccia mentre un “dj (???) ” ti sorpassa e riempie il locale di cadaveri pronti a pagare anche dieci euro, consumazione inclusa, pur di ascoltare roba che già conoscono, gruppi che hanno ampiamente rotto i coglioni.

In Italia, dove le cover band riempiono le piazze alle feste di paese e talenti veri si spaccano il deretano senza un barlume di speranza.

Bene, la band di Viterbo ha due palle grosse come il fegato di Vasco Rossi. Trenta minuti di Rock strumentale divisi in quattro tracce omogenee ma intrecciate come a creare un disallineamento dei vostri neuroni.

Gli Aldrin nascono nel 2009 e nello stesso anno sviluppano il primo demo, “The Outstanding Tale of Buzz Aldrin” che toglie presto il dubbio sul nome della band citando l’astronauta che per secondo mise piede sulla luna. Alla base del progetto ci sono gli stessi membri attuali. Roberto, Massimiliano e Hendrick già in forze con le divise The U-Goes (gruppo indie di Viterbo) e il batterista Marco che viene, inaspettatamente viste le performance proposte con gli Aldrin, dal punk-hardcore di Ingegno e Ouzo. Con Roberto, Marco si sfoga attualmente anche con Cayman the Animal, altra band di matrice HC.

A questo punto potreste pensare ad un Post Rock particolarmente spinto, duro, aggressivo. Avreste pensato male. Le radici dei vari componenti sono qui fuse alla perfezione, completamente disgregate e ricomposte, rimescolate in qualcosa di fluido che niente ha a che vedere con gli ingredienti singoli.

Der Aldrin, brano che apre l’opera, inizia con un campionamento elettronico che, prima dell’ingresso di chitarre e batteria, dura circa venticinque secondi e riesce perfettamente a portarci nello spazio siderale, in viaggio verso la luna come fossimo neo-astro-nati Buzz, quarantadue anni dopo. Dopo il breve intro, il pezzo entra nel vivo dichiarando esplicitamente amore alla musica. Le influenze qui sono chiare, nette, evidenti. Mogwai soprattutto, in parte Explosions in the Sky, in un continuo altalenarsi che al minuto quattro e venti secondi finisce per implodere. La musica si ferma, per un attimo, come a trattenere il fiato dopo che il bang! del decollo è alle spalle. Il pezzo non è finito, il cammino è lungo ancora. Siamo soli nel nulla oscuro ad ascoltare nel silenzio assoluto la musica dei nostri pensieri. La chitarra ci accompagna, in un rimando forse anche troppo evidente agli scozzesi già citati. Succede qualcosa però. Il suono di un’altra chitarra sembra insinuarsi nella nostra mente spaccandola in mille pezzi. Pochi secondi prog inseriti come un indizio, un segnale, una firma di un serial killer sul nostro corpo totalmente in balia dell’antimateria universale. Nel finale, improvviso come un’onda maledetta si alza un muro di chitarre che ci sbatte da un lato all’altro del tempo, senza potere alcuno, senza difese. E prepara la chiusura fastosa di un pezzo che anche da solo sarebbe già enorme.

Vaskij Rosso propone un minuto e mezzo rivelatore come il pulsare del cuore in una botola. Più evidente si fa il riferimento al progressive in parte accennato in Der Aldrin, ma non pensate di ascoltare gli Yes teletrasportati nel presente, non pensate al progressive nel senso classico del termine. Con gli Aldrin ho capito che la strada non potrà mai essere dritta e la risposta mai una. Due minuti e mezzo e ti trovi a muovere la testa al suono di un assolo IndieRock e poi risucchiato nell’occhio di un turbine di onde elettroniche e poi in una nuvola ad ascoltare Dream Pop e poi chissà dove.

Molto Bene, terza traccia, molto bene. Ci siamo, siamo sulla luna. L’atmosfera si fa più calma, i ritmi più soffici, le note della chitarra sono quasi solo accennate. “Magnificent desolation”.
Un suono liquido ricorda la melanconia dei Low, dello slowcore/sadcore più struggente ma, come vi ho detto prima, gli Aldrin non sono mai banali. Una voce in inglese ci sussurra nella testa, ci avvisa come flash nella nebbia e a quel punto due parole, una voce in italiano stentato, una donna, è inglese, la vedo, “molto bene”e il sound riprende corpo e rabbia nel tempo che impiego a battere le palpebre.

L’album si chiude con La Drogue, l’episodio più leggero, più Pop-Rock di tutto il disco, con chitarre che ricordano Shoegaze pulito dai feedback caratteristici del genere. Entra in gioco una voce narrante, probabilmente non necessaria, che tenta di indirizzare i nostri pensieri andando in parte contro l’impalpabilità del rock strumentale che ne è anche la forza. Parole che provano a riportarci sulla terra. Senza riuscirci, perché sul finire, ci ritroviamo tutti su un palco fatto di speranze piazzato nel centro del Dark Side a urlare e cantare. Già cantare. Quello che non ti aspetti, ancora una volta.

Forse ai più esperti (snob) il rock strumentale proposto dagli Aldrin suonerà monotono, usurato, troppo farcito di contaminazioni o poco innovativo. I meno avvezzi a tali sonorità potranno soffrire la lunghezza dei pezzi, la quasi totale assenza del cantato, la mancanza della classica forma canzone. Io credo che saranno più coloro che apprezzeranno i continui cambi di ritmo, gli improvvisi controtempi, il citazionismo mai preponderante sulla musica, la mescolanza di generi quali il Funky o il Progressive alla pura espressione artistica del Post Rock chitarra/basso/batteria, l’atmosfera creata da un ascolto coinvolto, la potenza e le melodie a volte commoventi senza scendere mai nel patetico. I Giardini di Mirò hanno un futuro.

Non c’è bisogno di capire quello che questa musica vuole dirci. E’ sufficiente chiudere gli occhi.
Nei mesi a seguire ci sarà tanta gente in viaggio verso l’interzona posta tra la mente e il cosmo. Io intanto me ne sto ancora li, al riparo, aspettando. E continuo ad ascoltare.

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