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Gluts

Written by • 8 Agosto 2014• Interviste

Ciao ragazzi e benvenuti su Rockambula. Cominciamo a raccontare la storia dei Gluts. Come e quando sono nati?

I Gluts sono nati a fine 2010. Dopo vari cambi di formazione e soprattutto di sonorità la svolta vera c’è stata sicuramente a settembre 2012 con l’ingresso di Claudia al basso. Con lei abbiamo finalmente trovato la strada giusta per quello che poi è oggi il suono dei Gluts  e il suono di Warsaw.

Da quali band sono influenzati i Gluts?

Credo che principalmente siamo una band Punk. Anche e soprattutto per la forte attitudine DIY in cui crediamo davvero molto e che ad oggi ci ha dato sempre grandi soddisfazioni. Se parliamo di influenze sonore, sarà banale e scontato dirlo ma sicuramente il suono dei Joy Division e il “wall of sound” degli A Place to Bury Strangers ci hanno influenzato parecchio.

Warsaw è il vostro nuovo disco; a cosa vi siete inspirati per la sua composizione e di cosa trattano i testi?

Credo non ci sia stata una vera e propria ispirazione a livello compositivo. Non ci siamo mai seduti attorno ad un tavolo per decidere cosa volevamo da questo disco o cosa potesse piacere alla gente. Oltretutto non abbiamo MAI avuto un approccio cantautorale alla composizione delle tracce. È molto difficile che qualcuno di noi arrivi con una canzone “preconfezionata”. Tutto quello che sono i brani di Warsaw nasce da pura improvvisazione in sala prove; senza regole, senza schemi o preconcetti. Attacchiamo gli ampli, ci registriamo e vediamo cosa viene fuori. Le idee buone diventano poi canzoni..le altre..vengono scartate. Per quanto riguarda i testi, sarò breve: trattano di tutto quello che ci circonda; la vita, le ingiustizie della vita quello che ci piace o quello che ci fa incazzare. Alcuni testi hanno anche tematiche forti, vero, ma voglio a nome di tutta la band sfatare il mito che i Gluts “siano una band impegnata”. Non è una cosa che ci è mai interessata e non ne saremmo nemmeno in grado. Preferiamo lasciarlo fare ad altri.

Che tipo di lavoro avete svolto per le fasi di mixaggio e registrazione e dove è avvenuto il tutto?

Registrare il disco è stato davvero una figata. Principalmente perché abbiamo lavorato con persone che conoscevamo già da tempo e che sono prima di tutto amici. Le registrazioni sono state fatte vicino a Domodossola nello studio di Francesco Vanni e Davide Galli (ex Piatcions) insieme a James Aparacio, produttore inglese che ha lavorato con band enormi come Liars o Spiritualized (tra le altre). Diciamo che lavorare per la prima volta con qualcuno che conosceva davvero bene a livello di sonorità quello che stavamo cercando è stato molto bello e gratificante. Le fasi di mixaggio poi sono state fatte direttamente da James nel suo studio di Londra; poco da aggiungere, il tocco inglese si sente, noi siamo estremamente soddisfatti ed il disco suona da paura. Era proprio quello che volevamo, un suono internazionale.

A cosa aspirano i Gluts?

(Ride ndr); le aspirazioni! Diciamo che aspiriamo a fare musica che soddisfi ed esalti prima di tutto noi stessi. Quest’anno ci siamo già tolti delle belle soddisfazioni (il MiAmi, A Night Like This Festival ed altri due festival che faremo a breve) e ne siamo felici. Suonare il più possibile, nel limite degli impegni lavorativi di ognuno di noi, è sicuramente l’aspirazione più grande. Riuscire a portare Warsaw al di fuori del nord Italia e anche all’estero sarebbe figo e ci stiamo infatti muovendo per far si che succeda. Non abbiamo più, purtroppo, vent’anni e quindi ovviamente ci sono anche altre priorità. La musica però è la nostra passione, da sempre. Non siamo dei professionisti ma lo facciamo nel modo più professionale possibile e quindi pretendiamo professionalità e serietà.

Dei vostri live cosa ci dite, è difficile trovare un posto dove suonare ed organizzarsi? Nella vostra città come siete messi?

Credo che la dimensione LIVE sia proprio quella dove si possa apprezzare di più chi siamo veramente. Dico questo perché è capitato spesso che amici o anche persone che non conoscevamo dopo un nostro concerto venissero a farci i complimenti per la rabbia e la passione che ci mettiamo. Sul palco  diamo davvero TUTTO e questo chi viene a sentirci credo lo apprezzi molto. Per quanto riguarda l’organizzarsi, ad oggi non sapremmo darti una risposta certa perché stiamo appunto cercando di organizzare un mini tour promozionale di Warsaw in giro per l’Italia per il prossimo inverno e vedremo come andrà. A sensazione comunque penso che ci sia dell’interesse ancora vivo per la musica LIVE e soprattutto gente che abbia voglia di sbattersi e organizzare concerti come si deve. Su Milano, mi permetto di citare mio fratello Marco: “Milano è una bella città, ma un posto del cazzo se si parla di musica” (ride ndr).

Parlando di concerti: dove suonerete nei prossimi giorni?

Abbiamo ancora due date confermati per l’estate e una già confermata per fine settembre. Saremo sabato 9 agosto a Piateda (SO) al Rock And Rodes mentre martedì 12 agosto saremo a Fara Vicentina (VI) all’Anguriara Fest. Siamo molto esaltati di partecipare a questi due festival perché quando siamo stati contattati dagli organizzatori abbiamo subito avuto la sensazione di parlare con persone che ci mettono una passione enorme e credono tantissimo in quello che fanno. Questo è davvero molto importante per noi e quindi non vediamo davvero l’ora. Per fine settembre invece siamo molto contenti di aprire la stagione di un locale storico della nostra zona come il Circolone di Legnano in compagnia di Maria Antonietta. Precisamente venerdì 26 settembre.

Come è stato accolto Warsaw dalla critica?

Direi che tutto sommato fino ad oggi non ci possiamo lamentare. Un risultato fin qui positivo. Come spesso succede un mix di mega esaltazione e disfattismo totale dove la verità sta sempre nel mezzo. Permettimi di dire che secondo me chiunque ascolti Warsaw in maniera oggettiva e senza preconcetti o cazzate attorno di nessun genere non possa dire di trovarsi davanti ad un disco BRUTTO o prodotto MALE. Poi ovviamente, come tutto, può piacere o non piacere per le più svariate ragioni. Dal canto nostro ci abbiamo investito davvero tanto tempo, tanti soldi e tanti sacrifici quindi ci crediamo moltissimo.

Siete già a lavoro per qualche altro disco o in generale materiale inedito?

Abbiamo iniziato da poco a lavorare su qualche nuova traccia ma è tutto ancora in fase embrionale. L’idea è quella comunque di non stare mai fermi e quindi in tempi relativamente brevi riuscire a buttare fuori un Ep oppure perché no un secondo LP (ride ndr).

Bene ragazzi, l’ intervista si chiude qui, concludete come meglio credete…

Buon natale e… mi raccomando!

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CambiaMò Musica: Dalla Terra dei Fuochi alla Terra dei Suoni

Written by • 29 Luglio 2014• Live Report

Una serata all’ insegna del Reggae e all’amore per la città di Napoli, questo il succo del CambiaMò Musica che ha visto esibire Martedi 22 Luglio tantissimi artisti partenopei. In una serata grigia e piovosa quasi autunnale (a Luglio?) si cela al Sea Legend di Pozzuoli un evento veramente memorabile che vede protagonisti artisti di un certo rango come: Marcello Coleman che in passato ha fatto parte degli Almamegretta, Valerio Jovine uno dei favoriti di J-Ax alla trasmissione The Voice finita circa un mese fa e fratello di Massimo “JRM” Iovine un membro membro dei 99 Posse e i Capone Bungt Bangt che sono una chicca dell’ Underground napoletano. L’evento vede effettivamente l’esibizione di tanti artisti ma per svariati problemi riesco ad arrivare a metà serata, per mia fortuna nel momento più caldo, pensate solo che hanno cominciato a suonare dalle 19:30. Appena arrivato al locale mi ritrovo Pino Mosca presentare l’artista che dovrà esibirsi, è Marcello Coleman con il suo Reggae. Coleman è un musicista di un certo calibro noto anche per le sue capacità di mantenere il palco, in questa data ha dato prova di se con canzoni come “Terra Morta”, la stupenda “Acqua Santa” e “Babilon Will Fall”; lui un ragazzo alla mano e appassionato del genere, abbraccia, stringe la mano e dedica calorosamente del tempo ad amici e fan alla stessa maniera. Subito dopo arriva il momento di Valerio Jovine, molto acclamato dal pubblico; anche lui spende stupende parole  per la nostra bella Napoli incitando i cittadini a non trascurarla e lo fa con “Napulitan” e “O’ Reggae e Maradona”. E’ il turno di Mariotto Maylon F.B.M. In questo momento troviamo un palco sovraffollato, il Rap di questi ragazzi è eccezionale, si sente la rabbia e lo sfogo con canzoni come: “Terra Nostra”, “Trip’N’Roll”, “Nennella”, “Amianto” e “Wè Carmè”. Arriva il momento di un gruppo che da tempo ero curioso di ascoltare: Capone & Bungt Bangt. Questi ragazzi pionieri dell’ eco music mondiale suonano con tubi, fusti e percussioni di diversi tipi, a detta da loro con i materiali riciclati e la prova di Maurizio e soci è stata a dir poco stupefacente. Senza dubbio la canzone che più ha emozionato è stata, almeno per il sottoscritto, “Napule Simme Nuje” ma comunque hanno fatto la loro splendida figura anche “Lisca di Pesce” e “Bianca”. Il successivo gruppo Aldolà Chivalà unisce musica e teatralità, anche il loro show è stato ammirevole, ci hanno fatto divertire con il loro sarcasmo e la loro ironia. I pezzi presentati sono: “Nu’ Voglio Ascì”, “Veleno” e “Discontinuo”, insomma un ottima prova anche per loro. La chiusura della serata spetta a gran sorpresa ai Peppesmith del Prof. Ciro Mattei. Dico a gran sorpresa perchè essendo il gruppo nato da poco mai mi sarei aspettato facessero da headliner dell’evento. Ad ogni modo con i Peppesmith arriva un pò di sano Rock, la band è in forma e piena di grinta, peccato che a fine serata in molti si sono persi la loro esibizione perchè ritornati nelle proprie tane, Mattei e soci infatti si sono ritrovati a suonare dinanzi ad un pubblico dimezzato. A dirla tutta è stato un peccato per gli assenti, i Peppesmith prima con “Soul Sacrifice”, poi con “L’ Uomo Sulla Luna” ed infine con “Spread & Belfegor” hanno divertito e fatto ballare oltre che accendere qualche lampadina riflessiva nelle menti dei presenti. Durante la serata infine, c’è stato un piccolo show del comico Emiliano Petruzzi che tra una battuta e l’ altra ha strappato un gioioso sorriso al pubblico napoletano. Prima di concludere non dimentichiamo gli artisti che hanno suonato prima di questi citati, che purtroppo non sono riuscito ad ascoltare per cause di forza maggiore; ad ogni modo ricordiamo anche: O Xangò con Iermano e Sollo, Federica Cardone e Ornella Mancini ovvero le due donne della serata, Marco Zurzolo, Luigi Iannuzzi e La Maschera in collaborazione con Raffaele Bruno. E’ terminata cosi una magnifica serata all’ insegna dell’ Arte e della Cultura Partenopea, un omaggio alla bella Napoli che non smette mai di sperare.

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Finntroll – Natten Med De Levande Finntroll, Live Amsterdam

Written by • 21 Luglio 2014• Recensioni

I Finntroll non avrebbero affatto bisogno di presentazioni essendo capisaldi della scena Pagan/Viking internazionale insieme ad altri mostri sacri come Amon Amarth, Moonsorrow, Manegarm e Korpiklaani. La loro è una carriera di tutto rispetto, con strepitosi album che il più delle volte hanno fatto la differenza. Tra le band citate i Finntroll sono coloro che meglio sono riusciti ad amalgamare Metal e suoni folkloristici. Con decisione ed intraprendenza, dopo sei album e due EP arrivano a pubblicare un modesto live tenutosi il venti settembre 2008 a Melkweg, Amsterdam. Il live in questione si intitola Natten Med De Levande Finntroll ed è un piacevole disco capace di mostrare tutta la potenza dal vivo di Vreth e soci. Da questo concerto si comprende la bravura della band e il perchè abbiano un certo peso nella scena internazionale. Ascoltare pezzi come “Nedgang”, “Aldhissla” e la potente “Rivfader” non ha prezzo e non di meno entusiasmante è udire tracce come “Ursvamp”, “Forsvinn Du Som Lyser” e “Midnattens Widunder” che in sede live esibiscono palesemente un certo spessore fuori dal comune che mima la sensazione di un festino a base di birra e vodka. Non mancano chiaramente i cavalli di battaglia: citiamo prima “Nattfodd”, poi la grandiosa “Trollhammaren” che come al solito fa la sua strepitosa figura e infine l’ atmosferica “En Maktig Har”. Insomma parliamo di un gruppo di indubbio valore e questo live ne è una validissima dimostrazione; si spiega perchè i Finntroll possano essere definiti dei pilastri. Non c’è più tanto da dire su  Natten Med De Levande Finntroll; è un live che dovrebbero acquistare i fan di vecchia data, i nuovi e gli appassionati del genere. Detto questo: ubriacatevi, pogate, danzate e scatenatevi con i Finntroll, la loro magia funziona anche intorno ad un tavolo a luci spente con solo un caminetto acceso.

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Circle of Chaos – Crossing the Line

Written by • 28 Giugno 2014• Recensioni

Anche per quanto riguarda il Death Metal, cosi come per ogni altro stile musicale, se non sai dove metter le mani non vai a parare da nessuna parte, soprattutto oggi che c’è un’inflazione del genere e nascono band giorno dopo giorno, sempre pronte a scimmiottare i loro riferimenti, che siano In Flames, Dark Tranquillity o Ceremonial Oath. Si rischia di esser monotoni, palesarsi senza idee e automaticamente suonare noiosi; un pò come è successo agli Svedesi Circle of Chaos che, in questo secondo disco intitolato Crossing the Line, tutto hanno fatto tranne che metterci personalità utile ad evitare i problemi di cui sopra. Il disco esce a distanza di quattro anni dal modesto Black Oblivion ed è anticipato da un EP del 2012 che, detto sinceramente, lasciava presagire il successivo passo falso fatto dal quintetto. E non a caso, anche quel Two Heades Serpent si rivelò un lavoro sciacquo e deludente.

Con questo nuovo disco, sembrano essere centrate le tematiche, i titoli sono forti e d’impatto e la produzione è discreta eppure ci ritroviamo comunque con un sound trito e ritrito tanto che gli unici colpi messi a segno arrivano con le sole “Sign of insanity” ovvero la traccia d’ apertura, “Ascending Disorder”, “War N Terror” e “Blood for Blood”.  Queste citate sono, nel bene o nel male, le tracce con qualche particolarità in più, che sia un riff graffiante, un assolo più coinvolgente o una melodia genuina; il resto passa tutto inosservato. Di questo Crossing The Line l’ unica cosa veramente  interessante è l’ artwork: colpisce ed è piacevole anche se comunque è troppo poco per un disco che  non ci ha convinto per niente sotto l’aspetto musicale. I Circle of Chaos sono un gruppo con buone potenzialità, probabilmente basterebbe loro poco per creare, non certo un capolavoro ma almeno un disco più piacevole e ascoltabile. Lo stesso album d’ esordio aveva degli interessanti particolari sui riff e sulle melodie e la cosa non poteva che suggerire la presenza di buone basi e proprio quelle devono  essere sfruttate al meglio. Purtroppo questo Crossing the line è stato un passo falso ma non c’è da scoraggiarsi, il tempo c’è e le capacità permettono ben altro; siamo fiduciosi.

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Death SS – Resurrection

Written by • 24 Aprile 2014• Recensioni

C’è poco da fare, quando si parla di Steve Sylvester e dei suoi Death SS si spendono solo belle parole, questo perchè si va incontro alla garanzia e ci si imbatte in un marchio di fabbrica registrato. E’ vero che per la storica band tricolore gli ultimi anni sono stati poco positivi, non per questo sono reduci da una “sorta” di scioglimento e la reunion è avvenuta proprio grazie a Resurrection (la loro nuova fatica nonché oggetto principale della nostra recensione). Ogni opera dei Death SS ha sempre una singolare caratteristica che distingue il nuovo disco dal precedente; da sempre la loro bravura sta anche nel far differenza addirittura tra i pezzi stessi dell’album, ogni traccia rappresenta un’esperienza diversa, Resurrection ne è la prova. La proposta della band è la solita: Heavy Metal di alta qualità con riff, assoli, eleganti giri di chitarre e superlative atmosfere, nulla è messo da parte e i tanti anni d’ esperienza di Steve e soci hanno un peso specifico notevole. Come già detto in precedenza ogni pezzo ha un proprio punto di forza, una particolare caratteristica che rende particolarmente unica la produzione dei Death SS, una sorta di continua attrattiva verso ogni singola proposta del platter. “Revival”, ovvero la traccia d’apertura, è quella più elettronica dove l’ uso degli effetti e delle tastiere è davvero consistente, caratteristica presente anche in altri pezzi come “The Darkest Night” e “Star in Sight”.

Il contributo di Freddy Delirio è stato a dir poco fondamentale. “The Crimson Shrine” e “Dionysus” sono atmosferiche ballate che strizzano l’occhio al Gothic, anche in questo caso la band mostra chiaramente le mille sfaccettature di Resurrection, non tralasciando mai però le salde fondamenta dell’Heavy Metal. Un plauso speciale va alla coppia Freddy Delirio e Glenn Strange che, più di una volta, si rivelano parte fondamentale del disco, ascoltare la cupa e tendenzialmente horror “Ogre’s Lullaby” per rendersene conto. Passiamo ad un altro brano forte del disco di Steve Sylvester, si tratta di “Santa Muerte”, una song aggressiva che sfodera probabilmente i più bei riff dell’intero supporto. Resurrection è un lavoro dai mille volti, la genialità di Mr. Sylvester ne esce alla grande, è facile comprendere l’estro artistico di un artista dalle larghe vedute. Questi Death SS dopo tanti anni sono ancora in grado di sbalordire il pubblico, senza troppi giri di parole sono una vera e propria garanzia del genere in Italia.

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Lili Refrain

Written by • 10 Marzo 2014• Interviste

Una  promessa, ecco cosa è Lili Refrain; una ragazza dalle mille doti  che è riuscita, attraverso la sua musica, a estirpare ed emanare il  lato più oscuro e creativo della sua persona. L’artista è  riuscita  in poco tempo a pizzicare l’attenzione dei critici e degli appassionati. Tra una chiacchiera e l’altra siamo riusciti a scoprire particolari  davvero interessanti oltre ai dietro le quinte delle canzoni  di Kawax.

Ciao Lili e benvenuta su Rockambula. Direi di iniziare questa intervista raccontandoci un po’ di te: chi è Lili, quando e come è nata artisticamente, da chi è influenzata e quali sono le sue aspirazioni?
Ciao a te e grazie per questo spazio! Ho sempre ascoltato moltissima musica fin dalla primissima infanzia ed ho sempre associato a questo linguaggio la più potente forma di comunicazione, libertà ed evasione. Ho trovato recentemente delle foto di quando ero piccola e imbracciavo molto spesso una chitarra immaginaria facendo finta di suonarla, credo tutto sia iniziato da lì. Ho sostituito l’immaginazione con una chitarra in legno, corde e anima all’età di tredici anni e pur non avendo mai studiato questo strumento non me ne sono mai più separata. Lili è diventata una parte di me nel 2007 dopo diversi anni passati a suonare la chitarra in diverse band,  ha iniziato a prendere il sopravvento in tutti quei momenti in cui emozioni, pensieri e visioni hanno avuto la forte urgenza di uscire fuori, da quel momento è nato il mio progetto solista e ho iniziato a mescolare differenti generi tra loro creando il mio personalissimo diario di bordo musicale. A livello di influenze sonore c’è sicuramente il blues, la psichedelia, il metal, la musica classica e anche un po’ di quel teatro sperimentale dove la voce assume un ruolo prettamente gestuale. Le miei aspirazioni sono quelle di continuare ad ascoltare e fare musica a 360°

Kawax è il tuo nuovo album; per qualcuno le tematiche sono parse come un continuo di quelle del disco 9. Ma a parer tuo quali sono le principali differenze tra i due dischi in generale?
9 è un album molto più barocco e complesso dal punto di vista compositivo rispetto a Kawax, è decisamente più virtuoso a livello tecnico e anche un po’ dimostrativo in un certo senso. Dopo due anni dall’uscita del primissimo disco autoprodotto,  avevo  l’esigenza di spingere al massimo livello le potenzialità compositive della stratificazione sonora senza mai sfociare nel Noise, lasciando molto spazio alla melodia e ripercorrendo volutamente quella che è stata la mia iniziazione musicale. Non a caso è un album pregno di citazioni che omaggiano alcuni dei miei punti di riferimento soprattutto in campo chitarristico. Kawax vede la luce tre anni dopo, nel mentre si sono susseguiti centinaia di live sia in Italia che in Europa e sono accadute anche moltissime cose nella mia vita privata.
È un disco che nasce da esigenze totalmente diverse e durante un periodo abbastanza buio in cui ho vissuto dolorose separazioni. La necessità che mi ha portato a questo album è stata estremamente viscerale e meno cervellotica, visto il bisogno estremo di esorcizzare in modo più immediato e diretto ciò che mi è capitato in questi ultimi anni. Anche a livello sonoro sono due album molto differenti, Kawax si porta sicuramente dietro tutto il bagaglio dei numerosi concerti fatti prima della sua uscita e i brani eseguiti evocano molto di più le atmosfere del live rispetto a 9.

Come nasce un pezzo di Lili Refrain, hai qualcosa che ti da inspirazione?
Solitamente quando sento l’esigenza di scrivere un brano significa che c’è qualcosa che non va. Quando  si è felici non si è molto ispirati perché tutte le energie sono convogliate a gustarsi quel determinato momento di gioia, io per lo meno cerco di gustarmeli un bel po’ quando capitano. Un mio brano nasce quindi da momenti meno luminosi, più riflessivi e scomodi emotivamente al punto da sentire la necessità di tirarli fuori in qualche modo, è un atto necessario, è come un esorcismo. Mi chiudo in una stanza e non esco finché non sono esausta, è una grande fortuna per me che in quella stanza ci sia un amplificatore e una chitarra, sarebbe potuto andarmi molto peggio!

In Kawax troviamo anche la partecipazione di alcuni ospiti d’ eccezione: gli Inferno Sci-Fi Grind’n’Roll; come è nato l’ incontro e perché hai scelto proprio loro?
Gli Inferno li conosco da moltissimi anni, soprattutto Valerio Fisik che oltre ad essere un chitarrista è anche l’eccellente fonico con il quale ho registrato tutti e tre gli album che ho prodotto fino ad ora. Due anni fa abbiamo deciso di partire insieme per un lungo tour in Europa e ci siamo tutti profondamente legati, la loro presenza era d’obbligo in quest’album, soprattutto in “Tragos” che molto spesso abbiamo eseguito insieme dal vivo proprio durante il tour. Oltre a loro ci sono anche altri due ospiti d’eccezione che sono Valerio Diamanti, il batterista dei Dispo che suona la batteria in “Baptism of Fire” e Nicola Manzan aka Bologna Violenta che ha impreziosito il brano finale con degli splendidi archi.

Anche la copertina di Kawax  è interessante, chi l’ha realizzata e perché hai scelto proprio quell’immagine?
Il disegno è opera di un’artista argentina che vive da anni a Roma e di cui ho sempre apprezzato moltissimo il lavoro, si tratta di Fernanda Veron che ho avuto modo di conoscere molto più a fondo grazie alla collaborazione con questo album. L’immagine rappresenta un sogno che ho avuto in un momento piuttosto difficile, avevo da poco perso mio padre e sono sprofondata in uno stato abbastanza buio d’esistenza, è una sorta di minotauro che è venuto a trovarmi nel tentativo di indicarmi l’uscita dal labirinto. E’ un’immagine per me molto evocativa, potente e anche estremamente positiva perché mi ha permesso di attivarmi e smuovere ciò che sembrava irrimediabilmente pietrificato in quel determinato frangente.

Invece della Subsound Records e Sangue Dischi cosa ci dici, come è nata la collaborazione?
Davide e Luca sono due persone che apprezzo e stimo moltissimo ed è per me motivo di estremo giubilo averli insieme in questo viaggio. Con Davide desideravo collaborare da tempo perché ritengo che con la Subsound faccia davvero un eccellente lavoro e avere una label che ti sostiene così tanto lavorando costantemente insieme è qualcosa di meraviglioso per un musicista, soprattutto per me che non avendo un gruppo ho sempre provveduto a tutto per conto mio. Luca lo conosco da anni e abbiamo condiviso palchi e collaborazioni, era diverso tempo che mi proponeva di fare uscire un disco con la sua etichetta e alla fine ce l’abbiamo fatta, questo è il mio primo vinile ed è una soddisfazione pazzesca!

Una domanda a bruciapelo: nella recensione ho detto che molto probabilmente i film sulle streghe di Dario Argento con una colonna sonora alla Lili Refrain avrebbero fatto ugualmente una bella figura, ritrovandosi un interessante tocco sinistro diversamente inquietante rispetto a quello dei Goblin. Tu cosa ne pensi?
Non saprei, non riesco proprio ad immaginarmelo un Argento senza Goblin! Ricordo che da piccola quando mi capitava di ascoltare la colonna sonora di Suspiria e senza mai aver visto il film, mi cacavo sotto in una maniera incredibile! Mi faceva una paura pazzesca quel disco!
Non credo che la mia musica abbia lo stesso effetto terrificante… ma grazie per l’associazione!

Parlando della tua teatralità cosa ci dici? A chi ti rifai per questa?
Quando suono dal vivo sento la necessità di tener separata la mia vita ordinaria da quella stra-ordinaria vissuta durante un concerto. Ho bisogno di rievocare e rivivere determinate sensazioni per eseguire un brano in tutta la sua essenza. È questo il motivo per il quale Lili Refrain ha il suo trucco guerrigliero, i suoi simboli e il suo abito di scena. Se non lo facessi e non assumessi un “ponte” tra me e la mia musica, rischierei di perdermi a lungo andare, di compiere dei gesti meccanici privi di “anima”. Più che teatralità si tratta quasi di un vero atto sciamanico, ma in fondo i concerti dal vivo non sono forse uno dei più potenti rituali collettivi che ci capita di celebrare?

Ho notato alcuni show sul tuo canale Facebook, hai seguito un criterio per scegliere le date in cui suonare? Riuscirai a venire anche a Napoli?
Magari! Napoli è una città che adoro! La prima volta che ci sono stata sapevo esattamente dove andare ed era incredibile dato il mio pessimo senso d’orientamento, era come se la città stessa mi guidasse, spero di tornarci molto presto! Riguardo al criterio della scelta della date è del tutto punk, non ho alcuna agenzia alle spalle, le date le trovo quasi sempre da sola e dopo sette anni di e-mail mandate nell’ovunque e una quantità industriale di concerti sparsi in tutta Italia, ho la soddisfazione di ricevere spesso richieste da parte di chi organizza i live, l’abilità sta poi nell’unire i pezzi mancanti per creare un viaggio sensato, soprattutto quando si viaggia in treno! Insomma, dipende un po’ da cosa capita ma a Napoli conto di tornarci presto, anche perché ho un album nuovo da presentare!

Ho notato nei tuoi lavori che strizzi un po’ l’occhio all’esoterismo. Se è un tuo interesse come è nato, cosa ti ha fatto scattare la molla?
Esoterismo è un termine forse un po’ troppo abusato e delle volte viene chiamato in causa rischiando di confondere un po’ le idee.
Per quel che mi riguarda ho un’attività onirica decisamente molto intensa che mi ha portato a fare diverse ricerche nel tentativo di interpretare i simboli che mi apparivano di volta in volta. Ci sono una miriade di cose che conosciamo senza sapere di conoscere e non c’è nulla di esoterico o magico in tutto ciò,  si tratta di qualcosa di atavico, impresso nel nostro DNA dai tempi dei tempi, solo che abbiamo bisogno di input per destare la nostra memoria o almeno questo è quello che capita a me… i miei lavori sono profondamente connessi alla mia vita personale, ai miei sogni e credo di strizzare l’occhiolino molto più a loro che non ad altro.

Bene Lili, l’intervista si chiude qui, concludi come meglio ti pare…
Grazie ancora per quest’intervista Vincenzo, concludo lasciando un po’ di link dove è possibile ascoltare ciò che faccio e trovare tutte le date aggiornate dei miei prossimi concerti:

http://lilirefrain.blogspot.it/
http://lilirefrain.bandcamp.com/album/lili-refrain
https://www.facebook.com/lilirefrain
http://www.youtube.com/shippinghead
http://subsoundrecords.it/
http://sanguedischi.com/

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Artemisia – Stati Alterati di Coscienza

Written by • 6 Marzo 2014• Recensioni

Unire sonorità dedite allo Stoner Rock con quelle del Progressive è una cosa che gli Artemisia ormai sanno fare benissimo. Dal 2006 (anno di nascita del gruppo) ad oggi di tempo ne è passato e i ragazzi hanno acquisito esperienza e maturità, non è un caso infatti che Stati Alterati di Coscienza sia un disco degno di nota. Iniziamo a dire che attraverso i testi cogliamo una ricerca personale degli autori che con grande maestria riescono ad esporli attraverso lo studio di miti e leggende. E’ più o meno un viaggio all’ interno della propria anima, si passa dalla gioia alla paura, facendo di tanto in tanto apparire una sorta di spettro che potremmo inquadrare come una guida ed un ostacolo allo stesso tempo. Insomma parliamo di un lavoro di un certo rilievo non solo musicalmente ma anche per quanto riguarda le tematiche che lasciano ampio margine a personali riflessioni. Analizzando il sound del disco sentiamo subito dei graffianti riff mescolati a sgargianti giri di chitarra, ciò crea un suono a volte ruvido, a volte dolce e quieto. Basso e batteria sono ben coordinati mentre la voce di Anna Ballarin è un vero e proprio tocco di classe, a metà tra sensualità e rabbia, insomma, una chicca. Stati Alterati di Coscienza è un fiore all’ occhiello della discografia degli Artemisia, è un lavoro maturo che racchiude il sapere degli artisti, i testi lo testimoniano. “La Strega di Portalba” è indubbiamente un ottimo biglietto da visita che mette subito in chiaro le potenzialità del disco e del gruppo stesso. “Insana Apatia” mostra l’ interessante sbalzo piano/forte del disco (la quiete e poi la tempesta), è da questa traccia che si comincia a fare sul serio. La successiva “Il Pianeta X” mostra la vera anima Stoner degli Artemisia, anche in questo caso si alternano momenti dove si picchia forte con altri più fiochi. “Mistica” invece suona come un melodico e candido brano dove troviamo Anna davvero ispirata. Le ultime due canzoni che vale la pena citare sono “Vanità” che nei suoi cinque minuti mette in mostra il lato più tranquillo del gruppo e la conclusiva “Presenza”. Stati Alterati di Coscienza è un disco ben riuscito, Anna Ballarin e soci possono vantarsi di aver creato un disco di elevato spessore, i veri rocker potranno ritenersi soddisfatti.

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Crematory – Antiserum

Written by • 10 Febbraio 2014• Recensioni

Potrei dire che i Crematory li conosco più per i loro anni di attività, la loro gavetta e i loro tredici dischi piuttosto che per un lavoro in particolare che si sia fatto notare rispetto agli altri.  Il difetto di questa band sta nel non voler azzardare; il gruppo teutonico è sempre stato sulle sue, a cavallo di una proposta Gothic Metal fatta di chitarroni e tastiere, standardizzato e prevedibile. Potremmo dire che il loro fu un andazzo rischioso se teniamo conto  che in terra dovevano fare i conti prima con pilastri come i Lacrimosa e i Lacrimas Profundere e successivamente con Eisheilig, ASP, Leichnweter e L’ Ame Immortelle.

Questo per dire che la proposta dei Crematory non è mai cambiata più di tanto nel corso degli anni anche se c’è stata qualche variazione in cui, il più delle volte, si riscontrava sulla melodia dell’ album e sulla lingua madre ma per il  resto non sono andati mai oltre; forse una speranza la diedero con Revolution nel 2004 ma non fu più di una illusione, si trattava di fumo negli occhi. Il problema reale è che non hanno mai spiccato per originalità, non dico che dovevano essere innovativi ma almeno un pizzico di personalità dovevano averla. Ora a distanza di quattro anni dal sufficiente Infinity, la band si rimette sul mercato con Antiserum un lavoro che ancora una volta non smentisce l’immobilità della band, anzi, addirittura sembra siano regrediti.

In questo disco sembra che i Crematory si siano addirittura adattati alla moda del Gothic Metal attuale: potenti riff che sono tutti dello stesso andazzo, un cantato in growl  che si posa su delle banali melodie create per la maggiore dalle tastiere ed un sound rimbombante degno delle più alte tecnologie del momento. Insomma anche in questo nuovo capitolo dei ragazzi teutonici non c’è nulla di nuovo, tutto è rimasto come era: nessuna nuova idea, nessun cambiamento solo musica trita e ritrita. Detto con sincerità, durante l’ ascolto non sono riuscito neppure ad individuare una traccia di spicco che facesse la differenza rispetto ad un altra. Sono all’ incirca venti anni che i Crematory sono in circolazione; saltando una piccola pausa che si sono presi verso il 2000, la band è comunque restata ferma senza cambiamenti o per esser più cattivi miglioramenti. La cosa dispiace perché in sede live i Crematory sono degli assi: sanno tenere un palco, sono bravi ad interagire con il pubblico e soprattutto sono degli ottimi musicisti. Speriamo di non ritrovarci in un “eterna illusione”, io personalmente continuo a  sperare, certo la fiducia e pochissima  ma non è mai detta l’ ultima parola.

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Cripple Bastards – Nero in Metastasi

Written by • 7 Febbraio 2014• Recensioni

La storia del Grind italiano ha un nome: Cripple Bastards. Dal 1988 sono l’emblema della sfacciataggine, dell’onestà, sia musicale che morale e del tabù. Sempre e comunque senza peli sulla lingua, ritraggono la società e la realtà di oggigiorno con sincerità adoperando termini e argomenti scottanti che a qualche finto tonto perbenista possono dare fastidio; ricordo ancora il loro capolavoro Misantropo a Senso Unico, un disco che fu una vera e propria rivoluzione, dal sound alle tematiche. Parlare di anticonformismo è inutile, nessuno lo è mai fino in fondo ma Giulio e soci negli anni si sono distinti, nel bene o nel male, a torto o ragione si sono fatti  strada e si sono creati un proprio spazio nel Mondo della musica estrema, un pò per bravura e un pò per intelligenza e spiccato senso della provocazione. Almost Human  ruppe totalmente i canoni; questa raccolta, a causa della copertina che ricordiamo ritraeva una donna in un momento intimo con un uomo che le puntava una pistola alla tempia, creò non pochi problemi al gruppo. Di aneddoti da raccontare ce ne sarebbero e chiaramente tutti furono causati dalla loro audacia e voglia di sbatter le cose in faccia.

Oggi i Cripple Bastards danno una nuova prova delle loro doti e lo fanno con Nero in Metastasi, un album di diciotto canzoni che sono delle vere e proprie sfuriate di cazzotti. In questo nuovo disco i quattro ragazzi non risparmiano nulla se teniamo conto che i titoli e i testi sono sempre d’ impatto e stessa cosa per quanto riguarda lo stile: violento, aggressivo e inequivocabile. Il disco suona come un uragano, da “Malato Terminale” a “Morti Asintomatiche” e quasi tutte le tracce girano intorno alla durata di due minuti, il che lascia intendere il concentrato di potenza che c’è in ognuna. L’album vanta anche  un ottimo sviluppo del suono nel senso che i riff, i blast e gli assoli si riescono ad ascoltare in maniera limpida e pulita e questo è indubbiamente un traguardo importante per i Cripple Bastards se consideriamo che ricercano da un pò di tempo tale stile.

Tracce che vanno ascoltate obbligatoriamente sono “Lapide Rimossa”, la successiva “Promo Parassista” e “Passi Falsi”,  pezzi che in un modo o nell’ altro fanno la differenza. Alcune canzoni vennero presentate un pò di tempo fa nell’ EP Senza Impronte, il risultato fu buono, Nero in Metastasi è perciò una sorta di consacrazione, un confermare delle intenzioni passate. I Cripple Bastards sono un orgoglio tricolore, si può condividere la loro filosofia come la si può snobbare, fatto sta che hanno dato qualcosa alla musica estrema italiana.

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Demonical – Darkness Unbound

Written by • 3 Febbraio 2014• Recensioni

C’è poco da lamentarsi sui Demonical, tra le nuove (più o meno) leve del Death Metal sono i primi della classe e riescono a cogliere sempre il centro:  conoscono i giusti dosaggi di riff, blast beat e assoli per creare un pezzo  degno di nota. Darkness Unbound è la nuova fatica di Sverker e soci, una ventata di freschezza per il genere di cui loro fanno parte nonostante scimmiottino talvolta  i Dismember. Ricordo ancora con ammirazione il loro penultimo disco, Death Infernal, un lavoro che, come questo, mi rese felice, assicurandomi che, nella scena Death, non stavano presenziando solo pupazzetti privi di idee.

Chiaramente in questo nuovissimo Darkness Unbound non c’è nulla di innovativo o di originale ma la capacità del gruppo di assestare  possenti riff ed assoli in un sound limpido e pulito è un qualcosa di veramente interessante. In “The Order” (cavallo di battaglia tra l’ altro) si riesce a cogliere perfettamente quella loquace melodia che rende la traccia ancora più appetitosa.  In “Contempt and Conquest” si sottolineano le levigate parti blast dei Demonical ed anche i giri di riff sono una sorta di specialità in questa traccia. Passando a “Words Are Death” e “Deathcrown”, due tracce che mettono in risalto la vera cattiveria e aggressività dei ragazzi svedesi, palese come non risparmino nulla tra riff, batteria che sembra un vero e proprio rullo compressore ed assoli.  Ve l’ho detto, in queste nuove orde di band Death Metal i Demonical sono quelli che più riescono a proporre qualcosa di sensato e godibile; hanno tecnica, audacia, grinta, insomma le caratteristiche giuste per “sfondare”. Un gruppo che ho ascoltato e seguito con piacere e spero soltanto che non si perda per la strada ma lasciamoci questo pessimismo alle spalle e poghiamo con Darkness Unbound che credetemi male non vi farà.

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Almamegretta 18/01/2014

Written by • 30 Gennaio 2014• Live Report

Sabato diciotto Gennaio, l’Arenile di Bagnoli (NA) era pieno di gente; in molti erano accorsi per ascoltare un gruppo napoletano di grande spicco, storico senza ombra di dubbio: gli Almamegretta. Arrivo al locale giusto in tempo, dieci minuti prima che Raiz e soci iniziassero lo show. Il pubblico era variegato e poteva capitare di imbattersi nell’adolescente, come nella milf, nel fighetto o nel tipo alternativo che ogni tanto rotolava uno spinello; insomma, questo show degli Almamegretta erano in molti a non volerselo perdere, compreso il sottoscritto che nutre una grandissima stima per il gruppo protagonista della serata. L’esibizione fila liscia, tutto sommato, tra grandi classici e qualche pezzo più da intenditori e fanatici. Lo stile è sempre quello, l’energia anche e l’unica pecca, se devo essere sincero, che ho notato e che anche altri colleghi hanno sottolineato, è stata la voce di Raiz. Non tanto per stonature o altro del genere ma più banalmente perché troppo spesso coperta dai suoni, probabilmente non proprio per un errore tecnico ma per una precisa scelta della band, scelta certamente da rivedere e sulla quale c’è molto da lavorare. Le canzoni proposte, come già accennato, sono chiaramente quelle perfette per accontentare un po’ tutti, andando a pescare le più rappresentative di ogni album, magari concentrandosi maggiormente su Controra, il loro ultimo disco. Ottima l’esecuzione e quindi da sottolineare per quanto riguarda “Amaromare”, “La Cina È Vicina”, “O Sciore Cchiù Felice” e “O Buon e o Malament”.

La chiusura dello show spetta alla bellissima e riuscitissima “Nun te Scurdà”, canzone che tutto il pubblico dimostrava di conoscere a memoria e non pare un caso che Raiz l’abbia lasciata cantare per buona parte ai suoi sostenitori; mentre il palcoscenico per l’ultimo respiro è tutto per l’immancabile “Sanacore”. Era la prima volta che sentivo gli Almamegretta dal vivo; il loro è uno show suggestivo, soprattutto se gustato, come è capitato a me, in compagnia di un paio di birre e un bel pacchetto di Marlboro. Personalmente appena avrò una nuova occasione di ascoltarli live non ci penserò due volte e correrò subito da loro.

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Girl With The Gun – Ages

Written by • 24 Gennaio 2014• Recensioni

Sensuale da un lato, atmosferico dall’altro, sono queste le principali caratteristiche di Ages, il nuovo disco delle Girl With The Gun che prima di tutto si fregia della calorosa voce di Matilde De Rubertis già singer degli Studiodavoli. L’album è un concentrato di Folk, Electro e Rock, una miscela intrigante soprattutto per come proposta da questi talentuosi artisti, soprattutto Andrea Mangia, in arte Popolous, che in un modo o nell’altro è riuscito anche questa volta a rivolgere in dose massiccia i riflettori verso di se. Ages riesce a mettere sullo stesso piano o meglio, ancora in equilibrio, i generi indicati prima diventando insomma un prodotto che farà invidia. Chiaramente il disco è affascinante anche grazie all’operato di Andrea Rizzo che regala effettivamente una concreta dimostrazione di come si suoni una batteria: coordinato, veloce al momento giusto e lieve quando serve.

Tutte le tracce si lasciano ascoltare senza mai stancare ma un occhio di riguardo va anzitutto ad “Hold on for Cues” che mette subito in chiaro la bellezza pura del platter mostrandosi come una di quelle canzoni che sa nascondere e svelare il suo alone di mistero. La successiva “Fireflies” è anch’ essa singolare, una traccia che mette allo scoperto tutte le doti dei musicisti. Infine c’è “Hover”, che sembra quasi partorita dai Cure: ritmata, sprizzante ma nel frattempo calma, è un altro cavallo di battaglia di Ages.  Il gruppo è riuscito a produrre un disco di una certa qualità: da ascoltare in macchina durante un viaggio o distesi sul letto in un momento di riflessione o ancora facendo jogging, è sempre il momento giusto per Ages. Quando artisti di un certo talento e di invidiabile esperienza si accordano su di un disco fatto con intenti sinceri il risultato può essere solo buono e Matilde e soci lo sanno bene.

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